Browsed by
Author: Creative

Zaman Kreatif

Zaman Kreatif

Merriam Webster mendefinisikan kreativitas sebagai: kemampuan untuk mengatasi gagasan tradisional, aturan, pola, hubungan, atau sejenisnya, dan menciptakan gagasan, bentuk, metode, interpretasi, dan lain-lain yang berarti; Orisinalitas, progresifitas, atau imajinasi.

Saya suka memikirkan kreativitas sebagai: Pemikiran alternatif, pendekatan, dan solusi yang menantang perubahan normal dan percikan.

Dari peran Kreativitas profesional mulai dari bekerja di industri periklanan sebagai produser, untuk berkontraksi secara independen dengan berbagai pembuat dan agen dalam proyek dan melayani sebagai manajer bakat Kreativitas  Pengalaman kolektif ini telah menyoroti nilai sangat besar yang ditambahkan komunitas kreatif ke masyarakat.
Selama 30 tahun terakhir telah terjadi peningkatan dominasi kreatif di masyarakat, hampir dalam segala hal. Aksesibilitas informasi, sumber daya dan Internet telah menawarkan pendekatan yang disederhanakan untuk dibuat bagi mereka yang ingin menyelesaikannya.

Dalam 10-12 tahun terakhir kita sudah melihat bukti ini – lahirnya blogger, terbitnya DIY-er, kemunculan Fotografer, pembuat konten dan seniman yang belajar mandiri atau teknologi. Daftar itu terus berlanjut. Dengan sumber dan akses ini, kreativitas hanya akan terus meningkat; Pendekatan tradisional dan metodologi akan ditantang untuk tetap relevan atau mengurangi semuanya.

Untuk waktu yang lama, inovator kreatif dunia telah disamarkan atau ditempatkan secara tidak adil dalam sebuah kotak yang tidak memuji kemampuan kreatif mereka – “entrepreneur”.
Ya, Kewirausahaan adalah bentuk kreativitas. Namun, kotak, label atau nomenklatur tersebut sering kali menggunakan karya Steve Jobs, Walt Disney, Bill Gates, Mark Zuckerburg’s, Kanye West’s, Charles dan Ray Eames ‘dari dunia yang menjadi “kreatif” dan masuk ke dunia “pengusaha atau wanita bisnis. “Karena keuntungan bisa mematikan barang yang mereka ciptakan.
Label itu menciptakan rasa tekanan yang tidak adil untuk hidup dan jalan baru untuk bepergian.
Cara berfikir kreatif dan visi untuk menciptakan ini telah terbukti menjadi aset berharga bagi masyarakat dan budaya secara keseluruhan. Kita melihatnya, mengkonsumsinya, merasakannya, membacanya dan mendengarnya setiap hari. Ini adalah sesuatu yang sebenarnya dibutuhkan dunia. Namun, visi, keterampilan, kemampuan dan pelaksanaan penciptaan, terus berlanjut dalam siklus terus-menerus menjadi sesuatu yang tidak dihargai dan dikomodorkan secara tidak proporsional.

Pemasar, merek, perusahaan besar dan agensi, dengan cara yang “tertangkap” untuk memahami nilai yang dimiliki dan ditambahkan oleh materi iklan ke masyarakat kita. Namun sering kali mereka mengeksploitasi atau menyalahgunakannya demi keuntungan mereka sendiri melalui transaksi sepihak dan interaksi dengan materi iklan yang bersifat transaksional alih-alih melibatkan dan memberdayakan.
Dalam produk, media informasi dan hiburan yang telah diciptakan di mana masyarakat kita mengkonsumsi setiap hari, kita melihat dukungan dan kesepakatan dukungan yang tidak lagi menyentuh atlet atau selebriti, namun sekarang memanfaatkan materi iklan untuk pemasaran. Pada dekade pertama tahun 2000an, Internet, platform media digital dan aplikasi menjadi pusat perhatian masyarakat. Ini menciptakan tantangan bagi pengiklan untuk tidak hanya memahami dan menggunakan platform ini, namun juga memanfaatkannya dengan cara terbaik untuk memenuhi tujuan pemasaran merek dan pada akhirnya meningkatkan pendapatan.
Karena pemakaian dan konsumsi digital mulai tumbuh, adaptasi harus terjadi dan penyesuaian harus dilakukan. Penyemaian skematis produk, undangan ke acara eksklusif atau pertemuan dan semua biaya perjalanan dibayar mulai menjadi bentuk baru mata uang dalam upaya membuat penyesuaian. Penyesuaian ini di beberapa kesepakatan lebih sering dilakukan daripada tidak, telah sepihak.
Merek dan perusahaan besar menang karena kampanye pengesahan sering mendorong penjualan atau klik, yang pada akhirnya memenuhi tujuan dan sasaran mereka.

Tapi ketika saya duduk di kursi mengelola bakat kreatif, saya merasa kecewa karena tawaran untuk melakukan pekerjaan kreatif yang berbagi perspektif atau kekayaan intelektual mereka kurang mendapat kompensasi dengan apa yang saya anggap tidak adil. Untuk materi iklan, itu tidak selalu menang – interaksi merek umumnya bersifat transaksional, usaha mereka tidak sering didukung secara akurat, kreativitas dan ketrampilan mereka tidak terintegrasi secara tepat (untuk benar-benar masuk akal) dan kompensasi mereka tidak adil. Untuk penggunaan nama, citra, produk, kemiripan atau keterampilan kreatif mereka.
Sementara pemaparan sangat bagus dalam membantu kesadaran atau promosi yang dapat menyebabkan peluang dan platform baru lainnya, keterpaparan tidak membayar tagihan, memasukkan makanan ke meja Anda atau mendukung keluarga. Saya juga memperhatikan dalam komunitas kreatif umumnya ada kekurangan Dukungan dan pengetahuan bagaimana menangani negosiasi, kontrak dan mengarahkan urusan bisnis ke arah untuk benar-benar mengembangkan bisnis kreatif.

Layanan kreatif saat ini menguasai 20% tenaga kerja AS dan tumbuh lebih cepat daripada sektor utama manapun. Hari-hari merek dan perusahaan yang memanfaatkan Lembaga Iklan untuk melayani dan membantu mencapai sasaran dan tujuan pemasaran akan segera pudar.

Jumlah kontribusi outsource dari bakat kreatif akan segera mendominasi lebih dari sebelumnya – Sudah dimulai. Nilai komunitas kreatif akan tumbuh dimana perajin dan materi iklan akan menjadi agen baru.

Age of the Creative adalah mengetahui bagaimana merek dan pemasar, seniman dan kreatif berpikir dan berkomunikasi.

Usia Kreatif adalah Mengidentifikasi dan menciptakan peluang yang membangun dan memperkuat hubungan antara merek dan komunitas kreatif untuk terhubung, terlibat, berkultivasi dan bertukar.

Age of the Creative adalah menciptakan platform yang menyoroti karya kreatif dan bakat yang memberikan dukungan melalui sumber daya dan keterpaparan dan menempatkan uang di saku.
Usia Kreatif adalah cara berfikir Memahami nilai bahwa komunitas kreatif menambah budaya dan masyarakat secara keseluruhan dan meningkatkan nilai kreatif itu.

Kreativitas ada disekitar kita. Kita melihatnya, merasakannya, mengkonsumsinya dan terinspirasi olehnya setiap hari. Kreativitas terletak pada diri kita masing-masing – Kadang-kadang dengan cara yang kita bahkan tidak memikirkan apakah dilatih untuk menulis, menyanyi, memainkan alat musik, menari, bertindak, menembak, menggambar, merancang, membangun, dll, kita semua kreatif. Masa lalu, sekarang dan masa depan adalah kreatif. Inilah, Age Of The Creative.

Ian Davis adalah pemecah masalah yang berorientasi pada hasil. Dia menggabungkan hasratnya untuk membantu orang lain, kreativitas dan budaya, dengan pengalamannya dari Agency Agency di Wieden + Kennedy, Mccann Erickson dan HUGE untuk memulai Age of The Creative: sebuah konsultasi dan jaringan yang menyajikan kreativitas dengan peluang dan memberikan solusi kreatif untuk Brands, agencies Dan start up.

Karena Arab Saudi melonggarkan kontrolnya terhadap budaya dan hiburan, para seniman bermimpi – dan khawatir

Karena Arab Saudi melonggarkan kontrolnya terhadap budaya dan hiburan, para seniman bermimpi – dan khawatir

Pemerintahan kerajaan ultraconservative akhir-akhir ini menjadi pelindung seni yang tak kenal lelah, mensponsori konser oleh para artis Barat seperti artis New Age Yanni dan mempromosikan festival komik dan pameran buku.

Bioskop, yang dilarang selama beberapa dekade, akan segera dibuka.

Pencairan tersebut merupakan bagian dari dorongan putra mahkota Saudi berusia 32 tahun, Mohammed bin Salman, untuk meredakan beberapa batasan sosial, dan serentetan pengumuman resmi telah membangkitkan semangat generasi muda Saudi untuk siapa malam musik atau film paling banyak. sering berarti perjalanan ke luar negeri.

Namun, rencananya juga mengemukakan kekhawatiran tentang jenis pemandangan budaya yang muncul di tempat yang diatur oleh kredo religius yang keras dan di mana sang dermawan adalah monarki absolut yang mengambil pandangan redup dari pidato yang tidak terkekang.

Usaha tersebut telah menimbulkan pertanyaan di sini tentang peran seniman independen yang telah bekerja di kerajaan selama bertahun-tahun, menavigasi rintangan birokrasi dan batas sosial yang kaku untuk mendapatkan pengakuan internasional atas seni Saudi.

Akankah rencana pemerintah memberi dorongan kepada kurator independen, pemusik bawah tanah dan pembuat film pertama kali? Atau apakah itu akan menghancurkan seni dengan keinginan kementerian pemerintah dan hak istimewa hanya para seniman yang disukai oleh negara?

“Seni harus jauh dari agenda apapun. Itulah yang membuat kami khawatir, “kata Abdulnasser Gharem, salah satu pendiri kolektif seni rumahan Saudi bernama Edge of Arabia. Pekerjaannya sendiri, termasuk lukisan dan instalasi, seringkali diperlihatkan ke luar negeri.

Seorang seniman Saudi menyajikan narasi alternatif tentang kerajaan gurun pasir

Perdebatan mengenai budaya mendapat perubahan yang terjadi di Arab Saudi di bawah Mohammed. Fokus pada hiburan dan budaya sangat penting bagi rencana untuk melakukan diversifikasi ekonomi bergantung pada minyak negara sambil memperluas beberapa kebebasan sosial. Pejabat Saudi dan para pendukung pangeran mahkota tersebut mengatakan bahwa perubahan tersebut – termasuk membiarkan wanita mengemudi (sebuah konsesi yang dijanjikan oleh almarhum Raja Abdullah) dan membatasi otoritas “polisi agama” – merupakan usaha lama yang menunda menyeret kerajaan ke dalam modern era. Beberapa inisiatif, seperti pembukaan bioskop, juga menjanjikan kesempatan ekonomi yang luas.

Namun para kritikus memperingatkan bahwa akan memakan waktu bertahun-tahun untuk menentukan apakah reformasi pemerintah yang dipuji – misalnya, untuk memberantas korupsi dan mengurangi wacana ekstremis – dimaksudkan untuk mengubah sistem yang diperkuat atau hanya mengemasnya kembali.

Dalam merangkul kesenian, pemimpin Saudi mengambil pelajaran dalam pembuatan gambar dari sekutu dan tetangganya, Uni Emirat Arab, yang sejak dulu menyadari bahwa pemandangan budaya di dalam negerinya juga merupakan “alat canggih soft power and diplomacy,” kata Beth. Derderian, kandidat doktor antropologi di Northwestern University yang mempelajari perkembangan seni dan budaya di UAE.

Putra Mahkota mendapatkan kekuasaan setelah menyapu bersih pejabat Saudi

Pergerakan lain oleh pimpinan Saudi telah menimbulkan kebingungan tentang prioritasnya, termasuk pembelian sutra Leonardo baru-baru ini oleh seorang raja Saudi dari Leonardo da Vinci seharga $ 450 juta – sejumlah besar, mengingat komitmen pemerintah untuk melakukan tindakan anti-korupsi dan penghematan. Setelah laporan media menunjukkan bahwa pembeli sesungguhnya adalah Mohammed, pejabat Saudi mengatakan bahwa lukisan tersebut telah diperoleh untuk Museum Louvre baru di Abu Dhabi, ibu kota UEA.

Dari studionya yang meriah di sebuah vila di ibu kota, Gharem meluncurkan program residensi enam tahun yang lalu untuk menumbuhkan seniman muda Saudi. Di negara yang melihat seni kontemporer dengan kecurigaan, studio ini adalah inkubator kreativitas langka. Ini mencerminkan pemandangan Saudi kecil yang berkembang selama dekade terakhir – terlepas dari bentrokan dengan tokoh agama dan pemerintah.

“Kami telah mendapat tekanan selama bertahun-tahun, itu membuat adegan itu organik,” kata Gharem baru-baru ini di studionya.

Tapi seniman juga dalam bahaya. Satu, Ashraf Fayadh, seorang penyair Palestina, kurator dan seniman, dihukum karena murtad pada tahun 2015 dan dijatuhi hukuman mati oleh pemakaman Saudi. Tuduhan tersebut, yang menurut pengacara Fayadh, berasal dari sengketa pribadi, termasuk tuduhan bahwa puisinya telah mempromosikan atheisme.

Setelah sebuah demonstrasi internasional, hukuman tersebut dikurangi menjadi delapan tahun penjara, bersamaan dengan 800 cambukan.

Upaya untuk menumbuhkan budaya datang saat seniman merasakan tekanan yang meningkat karena ketegangan di Teluk Persia yang lebih luas. Perseteruan telah membagi monarki Teluk, mengadu Qatar dengan Arab Saudi, Bahrain, UEA dan Mesir. Selain itu, meningkatnya permusuhan antara Iran Syiah dan negara-negara Teluk Sunni telah memicu permusuhan sektarian yang lebih keras.

Suasana nasionalisme yang berlaku sebagian besar telah menyisihkan perbedaan suara di media, jejaring sosial dan seni.

Ketegangan telah terlihat dalam beberapa tahun terakhir di UAE, yang telah dianggap sebagai pusat kosmopolitan bagi para seniman di seluruh wilayah ini, termasuk imigran yang tumbuh di negara ini. Namun dalam beberapa tahun terakhir, telah menjadi lebih sulit bagi beberapa seniman, terutama mereka yang adalah orang Syiah atau Muslim Iran, baik untuk bepergian ke UAE atau memperbarui visa mereka untuk akses ke negara tersebut, kata Derderian.

Pada sebuah pameran baru-baru ini di Abu Dhabi, sebuah lukisan oleh Gharem telah dihapus, katanya, setelah seorang pejabat mengeluh. Lukisan berjudul “Kesejahteraan Tanpa Pertumbuhan,” menggambarkan sosok yang mengenakan pakaian yang menunjukkan bahwa dia adalah seorang Muslim Sunni dan Syiah – sebuah pesan tentang persatuan yang tampaknya terlalu beracun untuk saat ini.

“Ini bukan waktunya untuk mengatakan yang sebenarnya,” kata Gharem.

Artis Saudi lainnya lebih optimis.

“Kami berkata, ‘Dalam gerakan tersebut, ada sebuah berkah,'” kata Mohammed Hafiz, salah satu pendiri Athr, sebuah galeri kontemporer yang dibuka pada tahun 2009, yang telah memberi tahu pemerintah tentang terjun budaya.

Hafiz mengatakan bahwa pejabat mendekati seni sebagai “ekosistem holistik” di bioskop, museum, rumah lelang dan tempat-tempat lain yang akan mendukung pendidikan seni dan mempertahankan lipatan artistik di masyarakat luas. Salah satu proyek paling ambisius, King Abdulaziz Centre for World Culture, yang menampilkan perpustakaan dan museum, dan baru-baru ini meluncurkan sebuah kompetisi untuk mempromosikan seniman Saudi kontemporer.

Dan secara kritis, Hafiz mengatakan, pemerintah berkonsultasi dengan seniman lokal saat mereka bergerak maju – di antaranya Ahmed Mater, salah satu seniman kontemporer paling terkenal di Arab Saudi yang karyanya, termasuk foto, video dan instalasi berskala besar, ditampilkan di Museum Brooklyn.

Harus ada masa “trial and error”, Hafiz mengaku. Tapi, dia berkata, “Anda tetap diam dan tidak ada yang terjadi … Seluruh masyarakat bergerak lebih cepat dari sebelumnya.”

Di antara para seniman muda, rasa kemungkinan telah terpaku.

Nada AlMojadedi, seorang pembuat film, mengatakan akan membutuhkan waktu bagi pemirsa Saudi untuk menerima konten lokal. Mereka “tidak terbiasa menonton cerita tentang diri mereka sendiri,” katanya. Tapi dorongan pemerintah – atau setidaknya melegalkan acara budaya – telah menjadi anugerah, tambahnya.

Film pendeknya, yang disebut “Zaina’s Cake,” diputar di sebuah festival film yang disponsori oleh perusahaan minyak Saudi Aramco musim semi lalu yang dihadiri oleh para pembuat film dari seluruh negeri, katanya. Dalam sepekan terakhir, ini dimainkan pada malam film di Riyadh dan kota Dammam di timur.

Khaled Nadershah, seorang pembuat film berusia 26 tahun yang memecat fitur pertamanya di Arab Saudi, memuji rencana untuk membuka bioskop dan mendukung pembuat film sebagai langkah awal yang menggairahkan.

Baca Juga :

David Gembala obituari

David Gembala obituari

Fresh out of school, tanpa prestasi skolastik untuk merekomendasikannya, David Shepherd melamar sebuah tempat di Slade School of Art di London. Slade memberinya bantuan terbesar dalam hidupnya dengan mengatakan kepadanya bahwa dia tidak memiliki bakat untuk seni. Sebagai gantinya, Gembala, seniman dan pelestari hutan, yang telah meninggal berusia 86, mengambil gambar melukis dari mesin kereta api, pesawat terbang dan – terobosan nyata – satwa liar, terutama gajah gajah khas Afrika, yang menghadap penampil dengan telinga yang menyebar luas. . Gambar binatang buas ini, sendiri atau dengan rekan-rekannya, bisa disebut Orang-orang Etosha, atau Dusty Evening, atau Elephant Heaven, atau bahkan, seperti di buku terlarisnya, Wise Old Elephant. Tidak masalah. Reproduksinya dijual sangat banyak.


Gembala adalah, beberapa orang mengatakan, Tretchikoff dari Inggris, dengan Wise Old Elephant the Chinese Girl, dan ini dimaksudkan sebagai pujian. Pastinya, dia menjadi sangat kaya dan membantu mengumpulkan lebih dari £ 8 juta untuk semangat besarnya lainnya – konservasi satwa liar – awalnya dengan menyumbangkan penjualan lukisan ke kegiatan amal seperti World Wildlife Fund, dan belakangan melalui upaya David Shepherd Wildlife Foundation, yang didirikannya pada tahun 1984. Kampanye amal untuk melindungi spesies yang terancam punah, dan memerangi perburuan dan perdagangannya.

Dia suka mengatakannya, dengan kesopanan palsu yang diijinkan untuk sukses besar, bahwa karirnya adalah serangkaian bencana. Serta kegagalannya memasuki sekolah seni, dia gagal meraih nilai dalam pilihan karir pertamanya, sebagai warden permainan di Afrika. Pilihan kedua adalah bekerja di bus. Sebelum memulai ini, dia menempatkan ambisi dan cinta artistiknya untuk satwa liar Afrika bersama-sama, untuk menciptakan kesuksesan tunggal yang dengannya dia dikenal.

David lahir di Hendon, London utara, putra Raymond Shepherd, seorang periklanan, dan Margaret (nee Williamson), seorang ibu rumah tangga. Mereka mengirim anak itu ke sekolah Stowe, di Buckinghamshire, uang tidak dihabiskan dengan baik karena tidak hanya dia kurang berprestasi secara skolastik tapi dia juga gagal mendapatkan selera bermain rugby. “Pertandingan itu diwajibkan di sekolah dan saya takut akan hal itu,” Shepherd kemudian berkata.

Dia pergi pada kesempatan paling awal dan, didanai oleh ayahnya, pergi ke Kenya untuk menjadi sipir permainan. “Saya mengetuk pintu kepala sipir kepala di Nairobi dan berkata, ‘Saya di sini, bolehkah saya menjadi sipir permainan?’ Saya diberitahu bahwa saya tidak diinginkan. Hidupku reruntuhan. “Setelah beberapa saat sebagai resepsionis hotel di pantai Kenya, dia kembali ke Inggris, dan nasihat menyedihkan Slade, sebelum dia bertemu secara kebetulan dengan seorang seniman jobbing bernama Robin Goodwin, yang membawa Shepherd sebagai asisten di studionya di Chelsea, London barat, tempat roti dan mentega berasal dari lukisan potret dan mata pelajaran kelautan.

Selama periode tiga tahun ini, Shepherd berpartisipasi dalam pameran tahunan di pagar Tanggul Victoria, “sebuah etalase toko yang indah”, seperti yang dia katakan. Ketertarikan masa kecilnya dengan dogfights udara di atas rumah London utara selama perang dunia kedua menyebabkan spesialisasi dalam lukisan penerbangan, dan, setelah sebuah pesawat lukis musim panas di Heathrow dia memenangkan beberapa komisi dari perusahaan penerbangan. Selama masa ini Gembala juga bertemu dengan Avril Gaywood, sekretaris Capital Airlines, dan pasangan tersebut menikah pada tahun 1957.

Pada tahun 1960 Angkatan Udara Kerajaan menerbangkannya ke Kenya, kali ini tidak melukis pesawat terbang tapi untuk menggambarkan kehidupan di negara ini. Dia melukis seekor badak yang mengejar sebuah pesawat di landasan pacu, dan tidak pernah menoleh ke belakang. Gajah, singa, harimau, cheetah, zebra, jerapah diikuti semua. Pada kunjungan yang sama Gembala juga menjadi seorang pelestari, setelah menemukan sekawanan zebra mati di sekitar lubang air, diracuni oleh pemburu, pemandangan yang tidak pernah dia lupakan.

Ada subjek yang lebih dekat ke rumah, seperti mesin uap kesayangannya, dan hewan piaraan seperti sapi Highland dan bahkan seekor tupai, dalam gambar bernama Nuts. Amati itu, orang-orang skeptis mungkin telah mengatakannya, tapi orang-orang skeptis sedikit sebelum legiun pengagum tersebut.

Pelajaran pertama Goodville untuk anak didiknya adalah melupakan ekspresi diri dan tetap memperhatikan intinya. Ini adalah pelajaran yang dipelajari oleh Shepherd. Pada tahun 1962, Boots the Chemists membuat cetakan Gajah Tua yang Bijaksana, yang sangat populer, sehingga salinannya dapat terlihat tergantung di flat Trotters di sitkom Only Fools and Horses.

Lukisannya konsisten dalam komposisi dan materi pelajaran – umumnya satu hal besar (apakah mesin uap atau gajah – “keduanya besar dan dramatis dan keduanya perlu diselamatkan”, kata Shepherd) sering berhadapan langsung di tengah latar depan, dengan tidak banyak perhatian untuk detail kedalaman atau latar belakang. Dia menghina seni modern, dari Picasso sampai Damien Hirst, dan menghina para kritikus, sebuah sentimen yang kembali dalam ukuran penuh.

Pameran tunggalnya yang pertama di London pada tahun 1962, dan kemudian sukses secara internasional. Dia melukis potret presiden Zambia Kenneth Kaunda pada tahun 1967, dan Ratu Elizabeth Ratu Ibu dua tahun kemudian. Pada tahun 1970 membuat The Man Who Loves Giants, sebuah film dokumenter tentang artis tersebut, dan lima tahun kemudian Shepherd menerbitkan otobiografinya dengan judul yang sama.

Seiring karirnya lepas landas, dia membeli rumah pertanian Surrey yang reruntuhan di 16 hektar dengan kolam ikan trout, dan bisa membanggakan bahwa dia memiliki mesin kereta api di kebun belakangnya: tiga di antaranya, masing-masing memiliki bahan baku utama 120 ton, dua dibeli dari British Rail , yang dipresentasikan oleh Kaunda, yang menjadi subyek dokumenter lainnya, Last Train to Mulobezi.

Penyebab lainnya juga mendapat manfaat dari bakat seninya. Dia mengumpulkan uang untuk Dana Kebaikan RAF dan untuk peringatan Komando Bomber di Green Park, London. Namun konservasi adalah penyebab hidupnya dan karena itulah dia dibuat OBE pada tahun 1980 dan CBE di tahun 2008. Pada tahun 2011 ia meluncurkan kampanye media sosial untuk menyelamatkan harimau di alam liar, TigerTime. “Manusia adalah binatang yang paling bodoh, sombong dan berbahaya di Bumi,” katanya. “Setiap jam kita menghancurkan sebuah spesies yang punah, dan kecuali kita mulai melakukan sesuatu dengan sangat cepat, kita akan menghancurkan diri sendiri.”

Baca Juga :

Seniman Mesir menciptakan potret dari tembakau yang terbakar

Seniman Mesir menciptakan potret dari tembakau yang terbakar

ALEXANDRIA, Egypt (Reuters) – Di sebuah studio kecil yang dikotori dengan paket rokok kosong di kota kedua Mesir, Alexandria, Abdelrahman al-Habrouk duduk membungkuk di selembar kertas yang membuat potret dengan tembakau.

Rokok itu menyulut seninya Dia memecah mereka menjadi dua, dengan susah payah menelusuri gambar monokrom selebriti atau binatang dengan serpihan tembakau yang bagus, lalu menaburkan ciptaannya dengan bubuk mesiu dan membakar mereka.

Ia menghasilkan tanda hangus pada kertas putih berupa potret.

Habrouk, yang kini berusia 23 tahun, mulai menggunakan bahan yang tidak biasa untuk membuat gambar beberapa tahun yang lalu, bereksperimen dengan kopi, garam dan pasir sebelum menetap dengan teknik tembakau karena lebih awet.

Idenya adalah saya mencoba membuat seni hidup lebih lama,” katanya kepada Reuters.

“Saya ingin membuat sesuatu yang baik dari sesuatu yang dianggap berbahaya,” tambahnya.

Ordonansi Miami yang Diusulkan Bisa Membingungkan Pengembang Dari Membeli Seni Umum,

Ordonansi Miami yang Diusulkan Bisa Membingungkan Pengembang Dari Membeli Seni Umum,

Di permukaan, tampaknya seperti langkah cerdas : membuat pengembang kaya menutupi biaya seni publik. Tapi menggaruk vinir itu, kata para lawan, dan fase baru dari rencana Art in Public Places di City of the Best adalah perkosaan dari pita merah yang tidak perlu – dan yang terburuk adalah sarana bagi kota untuk merebut dana dari tangan seniman lokal.

“Kota ini menambahkan banyak rintangan pada sesuatu yang mereka pikir akan menciptakan lebih banyak bisnis,” kata Books Bischof, salah satu pendiri Proyek Utama galeri lokal.

Perencana Kota Efren Nunez, yang menulis peraturan tersebut, mengatakan bahwa Tahap I undang-undang ini dibuat sebagai tanggapan terhadap Departemen Kebudayaan Negeri Miami, yang akan menunda pendanaan ke kota karena kota tersebut tidak memenuhi persyaratan untuk seni publik. . Komisioner kota menyetujui fase itu dengan sedikit perlawanan.

Namun bethings, tahap kedua ordonansi telah menarik perhatian para seniman lokal terkemuka. Tahap II – yang akan dipilih oleh dewan komisaris kota kemungkinan bulan depan, menurut Nunez – akan meminta pengembang untuk menampilkan barang seni publik senilai 5 persen menjadi 1,25 persen dari biaya konstruksi mereka, tergantung pada total biaya proyek, atau membayar antara , 25 persen dan 1 persen dari biaya konstruksi mereka ke dalam dana Art in Public Places di kota ini.
Nunez mengatakan bahwa rencana tersebut tidak akan membebani pembayar pajak apapun dan dapat mengumpulkan sebanyak $ 8 juta untuk menyuntikkan seni visual ke ruang publik Miami. Banyak pemerintah daerah lainnya di Florida Selatan, termasuk Miami Beach dan Miami-Dade County, memiliki program serupa. Nunez mengatakan bahwa ia menarik bahasa dari tata cara seni publik lainnya, baik lokal maupun dari kota-kota dengan volume konstruksi yang sebanding seperti Los Angeles.

“Seni publik adalah cerminan identitas kota dan tempatnya pada waktunya, seni publik mengilhami dan mengaktifkan imajinasi setiap orang, mendorong orang untuk berpikir dan memperhatikan,” kata Nunez. Melalui perundang-undangan ini, ia meyakini, semakin banyak seni yang akan tercipta dan dibawa ke kota.

Tetapi beberapa seniman lokal terkemuka mengatakan bahwa proposal Miami akan memberi kota ini kontrol yang lebih besar daripada kebanyakan kotamadya lainnya. Aturannya akan memberi para pengembang ultimatum: membeli seni untuk lahan pribadi mereka atau membayar biaya ke kota. Pengembang juga harus mendapatkan pilihan karya seni yang disetujui oleh dewan kota beranggota sembilan orang, yang saat ini termasuk pengembang Dacra Craig Robins dan perwakilan dari Museum Seni Pérez Miami, dan menggunakan penilai profesional untuk membuktikan nilainya.

Bischof prihatin dengan kekuatan dewan harus memutuskan seni publik. “Apa yang mempengaruhi dewan ini? Bukankah itu akan menciptakan kronisme? Dunia seni sudah dijalankan oleh elite,” kata Bischof. “Ini tidak akan menguntungkan masyarakat seni setempat kecuali jika ada program berbasis insentif.”

“Ini adalah lereng licin bagi pemerintah untuk menentukan seni apa.”

Saat ini banyak pengembang bekerja dengan galeri lokal untuk menempatkan karya-karya seniman up-and-coming dalam proyek mereka. Berdasarkan peraturan baru, pengembang harus bekerja sama dengan dewan kota atau memilih keluar dengan membayar biaya. Uang itu akan masuk ke dalam dana yang juga dikendalikan oleh dewan kota. Para penentang mengatakan bahwa peraturan tersebut pada intinya mengubah kota menjadi perantara perantara, memberi insentif kepada pengembang untuk memberikan uang tunai ke kota dan menghukum mereka yang memilih seni mereka sendiri dengan memaksakan sekelompok birokrasi. Either way, kritikus berpendapat, seniman lokal, desainer, dan gallerists yang mungkin memiliki kesempatan untuk bekerja secara langsung dengan pengembang untuk menjual karya mereka akan kehilangan.

“Pengembang apa yang ingin kota itu memilih seni atas nama mereka?” Kata Nina Johnson “Ini lebih murah untuk membayar 1 persen untuk mendapatkannya dari belakang mereka. Ini akan sangat merugikan sumber penghasilan besar bagi kita semua.”

Penilai yang dibutuhkan juga bisa melukai seniman lokal, kata lawan. Seniman lokal dan mancanegara tidak mungkin dinilai cukup tinggi untuk memenuhi tolok ukur kota, yang dapat menyebabkan pengembang memilih karya seniman yang lebih mapan. Itu membuat rencana “tentang dolar dan bukan seni,” kata Adam Gersten, pemilik bar Gramps di Wynwood. Dia juga berada di City of Miami Planning, Zonation and Appeals Board dan Wynwood Business Improvement District (BID), yang bertemu dengan Nunez untuk membahas undang-undang ini.

“Ini benar-benar tentang memasukkan uang ke dana yang akan dikelola oleh dewan yang tidak memiliki rekam jejak,” kata Gersten. “Lebih dari itu, ada banyak contoh yang diberikan oleh dewan kami dimana sistem dapat digemari dan tidak akan bermanfaat bagi komunitas atau seniman kami di komunitas kami.”

Nunez mengatakan bahwa kota tersebut akan menggunakan penilai independen. “Bank-bank seni memberi tahu kita apa pekerjaan di trading … Ini seperti Buku Biru untuk Seni,” tegasnya. “Tidak ada dalam undang-undang yang melarang karya seniman lokal agar tidak diintegrasikan ke dalam lokasi pembangunan.”

Gallerists seperti Bischof and Johnson, dari seni galeri Haiti Little yang tidak dikenal, keduanya sudah memiliki hubungan dengan pengembang untuk memberikan karya seni, dan ingin kehilangan bisnis itu. “Iblis ada dalam rinciannya,” kata Johnson. “Mereka mencoba untuk memungut pajak ini untuk merampok galeri lokal, setiap orang mulai bercakap-cakap ke galeri midcareer, dari klien baru. Condos dan hotel membeli seni adalah cara yang sangat besar untuk menghasilkan uang di sini.”
Bahkan bisa dibilang seni publik Miami yang paling terkenal  seni mural Wynwood secara teknis tidak sesuai dengan standar kota untuk program ini, Johnson mengatakan. Graffiti tidak akan dianggap memiliki nilai sesuai dengan peraturan yang semula diusulkan, yang mendorong beberapa pushback dan percakapan enam bulan dengan Wynwood BID. Nunez mengatakan bahwa sebagai hasilnya, kota tersebut “memberi Wynwood kemampuan untuk menyetujui pedoman, persyaratan, dan papan tinjauan mereka sendiri untuk mendapatkan persetujuan seni publik.”
Tapi wakil ketua BID Wynwood, Albert Garcia, mengatakan bahwa membebaskan lingkungannya tidak memecahkan masalah yang mendasarinya. “Cara pembuatan undang-undang ini disusun hari ini, sebagian besar seni di Wynwood tidak akan memenuhi syarat sebagai seni. Jadi undang-undang ini akan menghilangkan kemungkinan bahwa Wynwood baru akan diciptakan, dan itu tidak akan membiarkan Wynwood terus menjadi Wynwood.”

Garcia mengatakan bahwa masyarakat tahu apa yang dibutuhkannya dalam hal pengembangan seni budaya. “Kemajuan artistik di Wynwood adalah sebuah kolaborasi antara komunitas artistik dan sektor swasta, dan ini adalah akar rumput, proses organik.Wynwood BID tidak memiliki pendapat tentang seni apa Kami percaya seni adalah ungkapan [dan] pemerintah harus tetap berada di luar sana. Kami ingin memberi insentif, untuk melindungi seni, dan mendorong pengembang untuk melakukan sesuai keinginan mereka.


Garcia khawatir bahwa dewan seni publik yang diusulkan akan menjadi satu-satunya pemasok seni publik di kota ini. Menurutnya, tempat yang paling banyak menderita adalah komunitas seperti Little Haiti dan Little Havana. “Penting bagi semua komunitas di Miami, pusat berbasis warisan budaya, untuk benar-benar memperhatikan undang-undang ini, karena mereka berisiko diresmikan seni yang sebenarnya tidak mencerminkan sejarah mereka. Mereka akan kehilangan warisan mereka untuk Sebuah pendekatan yang homogen.
Tapi seniman lokal bisa menderita lebih banyak, lanjutnya. “Mereka paling banyak kehilangan jika mereka tidak diakui sebagai seniman yang sah yang karyanya tidak sesuai dengan standar kota. Itu adalah lereng licin bagi pemerintah untuk menentukan seni apa.”

Komisioner kota akan memberikan suara di atasnya pada akhir musim panas atau awal musim gugur, kemungkinan 7 September.

Konten TV homegrown, Kanada perlu di rumah

Konten TV homegrown, Kanada perlu di rumah

Sebagai seseorang yang telah memproduksi film dan televisi selama 30 tahun, visitar sitio web senang mendengar dari rekomendasi Menteri Kehakiman Kanada tentang cara terbaik untuk melakukan reboot industri hiburan dan media kami. Mélanie Joly, menteri berpendidikan kami di Oxford, mulai menjabat pada tahun 2015 untuk mendesak kesabaran dan mengatakan kepada wartawan bahwa, tidak seperti Donald Trump, dia memerlukan waktu 700 hari untuk dapat dinilai secara adil berdasarkan manfaat dari  $ 2 miliar. Tapi pekerjaannya memakan waktu lebih lama daripada menegosiasikan Konferensi Yalta.

Dalam dua tahun sejak Joly berada di kantor, raksasa hiburan Amerika seperti HBO, Netflix dan Amazon telah mengaburkan batas antara film dan televisi. Dan sekarang, CBS meluncurkan layanan baru untuk memberikan pertunjukan mereka langsung ke orang-orang Kanada. Ini berarti jaringan pribadi Kanada berisiko kehilangan Mitra A.S. mereka, yang telah menyediakan beberapa dekade pemrograman prime-time yang kaya dengan sinyal yang sebelumnya diblokir untuk melindungi pasar mereka. Sekarang, omong kosong tentang air adalah tentang acara pesta yang sangat berharga di Amerika dan Joly perlu menjadi sumber dana besar bagi produser yang memproduksi film Kanada yang menghasilkan lebih dari satu pertunjukan di Kanada pada prime time atau kami akan berhenti menjadi relevan dan Jaringan pribadi akan menghadapi kepunahan.

Setelah banyak pertemuan dengan para seniman, pengusaha dan kunjungan dengan pemain digital profil tinggi, Joly telah berjanji untuk memperbaiki kondisi ekonomi budaya senilai $ 55 miliar dengan seperangkat peraturan baru yang diharapkan akan menghasilkan jaringan untuk merangsang produksi yang jauh lebih signifikan tanpa batas. era digital.

Ini adalah gigitan suara yang bagus, tapi dia perlu mempertimbangkan bahwa ekonomi saat ini dari industri yang kekurangan dana kronis adalah sistem yang dijamin membuat acara di Kanada gagal, dan proses kreatif kita retak. Secara ekonomi, setiap jam naskah drama kehilangan uang di pasarnya sendiri. Bahkan jika Anda bisa membuat drama yang layak seharga $ 2 juta atau $ 3 juta, Anda tidak dapat menghasilkan pendapatan iklan sebesar $ 2 juta atau $ 3 juta. Hasilnya adalah jaringan pribadi memiliki sedikit nafsu makan atau dana untuk mengambil risiko saat mereka dapat membeli tiket A.S. dengan harga lebih murah daripada memproduksinya.

Selain pendanaan yang meningkat, kita membutuhkan sistem lisensi baru yang memiliki lembaga penyiaran yang memiliki ekuitas lebih sering dalam produksi berlisensi. Gagasannya adalah bahwa jika jaringan memiliki kesempatan untuk memiliki sepotong kue, mereka mungkin akan menghasilkan keuntungan dari penjualan internasional. Namun, masalahnya masih tetap bahwa jika produk kita tidak bisa masuk pasar domestik, itu tidak akan berhasil. Pertunjukan yang dibuat disubsidi oleh semua dana yang mengharuskan pencipta Kanada dipekerjakan di semua posisi kreatif utama dan masih kehilangan uang.

Ada pengecualian yang menggembirakan, seperti Orphan Black, yang merupakan taruhan menguntungkan yang berhasil dijual secara internasional, dan serial Kardinal, yang telah dijual ke BBC, tapi kami membutuhkan lebih banyak. Meskipun tidak ada aturan keras dan cepat bahwa jaringan tidak dapat memiliki kulit dalam permainan, pemerintah saat ini melarang investasi ekuitas di luar biaya lisensi untuk mencapai mandat belanja jaringan untuk pemrograman di Kanada. Jika ada sedikit kesempatan back-end dan lebih murah untuk membeli ongkos A.S., ada sedikit selera untuk mengambil risiko pada acara edgier dan anggaran lebih besar yang bersaing dengan kami.

Secara kreatif, sistem kita tidak cukup merangsang penulisan kualitas dan masalahnya mungkin saja sebagian besar pertunjukan digerakkan oleh produsen. Di Amerika Serikat, showrunners adalah bintang baru dan mereka diberi garis lintang yang luas untuk menciptakan konten yang lebih berisiko. Kami memiliki komunitas produsen besar yang hebat, namun tulisan kami entah bagaimana telah patuh dan tidak dibenarkan. Joly dapat mengatasi hal ini dengan mendanai program penulisan yang lebih baik di Kanada dan memberikan insentif bagi penulis Kanada yang sukses yang bekerja di Amerika Serikat untuk pulang dan tinggal di sini.

Saya terdorong saat melihat orang-orang seperti Moira Walley-Beckett, yang memotong giginya di Breaking Bad, dan sekarang bekerja pada Anne (dari Green Gables) untuk CBC. Pertunjukan itu diterangi cahaya hijau untuk musim kedua dan juga terlihat di Netflix di lebih dari 190 negara. Saya tidak ragu bahwa pengalaman menulis Walley-Beckett di selatan-selatan-membuat pertunjukan lebih relevan dan ketat.

Ada titik terang lainnya di cakrawala yang merupakan game changer, seperti miniseri baru Alias ​​Grace, sebuah kemitraan dengan CBC dan Netflix, dan Travelers, perusahaan patungan antara Netflix dan Showcase. Yang perlu diperbaiki Joly adalah industri di mana pelarian hits seperti Orphan Black, Schitt’s Creek dan Kim’s Convenience terlalu langka dan bahkan mengejutkan kita saat hal itu terjadi. Dan kita perlu menciptakan lebih banyak lagi di rumah. Sementara saya tidak menyukai reality TV, format Orang Pintar Kanada telah terjual di 11 negara dibandingkan dengan adaptasi luar biasa dari reality show Eropa.

Canadian Screen Awards adalah mikroskop sempurna bagi Joly untuk mengamati dan mempelajari yang terbaik dalam bakat Kanada dan beberapa kelemahan kami. Setelah menghasilkan pertunjukan CSA sejak bayi dan anonimitas, ini merupakan kesempatan tahunan dan glamor untuk menunjukkan kepada Kanada bahwa kami memiliki pertunjukan dan film yang indah untuk disayangi. Sayangnya, terlalu banyak film dengan sedikit wajah yang diketahui telah datang dan hilang pada saat acara CSA mengudara. Joly perlu menciptakan dana pemasaran yang kuat bagi para pembuat film dan jaringan untuk bisa menjangkau orang-orang Kanada yang lebih baik dan membangun sebuah sistem bintang. Pada acara CSA 2016, saya mencoba untuk berbicara dengannya tentang gagasan ini, dan dia pikir saya adalah seorang panggung. Seharusnya aku tidak dikenakan hitam.

  • Meringankan peraturan Cancon

    Kita harus berhenti memborgol penulis dan produser kita dengan memaksa mereka mematuhi beberapa mandat nasional untuk menceritakan kisah-kisah Kanada. Kami orang Kanada, dan cerita kami secara inheren akan mencerminkan selera humor, drama, dan individualitas kami. Saya tidak dapat memberi tahu Anda berapa banyak penawaran yang saya tawarkan kepada di mana beberapa eksekutif pengembangan mengukur kata demi kata Kanada menurut kata seperti resep untuk poutine. Alasan mengapa Schitt’s Creek, Kim’s Convenience dan pertunjukan lainnya seperti mereka bekerja adalah mereka memiliki gaya mondar-mandir dan gaya komedi dari komedi situasi Jim Brooks. Hal yang sama berlaku untuk film yang dinominasikan oleh Sarah Polley dari Away from Her. Itu adalah cerita universal yang diarahkan dan ditulis oleh seorang Kanada.
    Selain itu, tidak ada gunanya membuat undang-undang atau memaksa jaringan pribadi untuk memainkan bobot konten Kanada yang tidak realistis. Mengingat pilihannya, kita akan selalu melewati perbatasan sampai kita menemukan barang yang lebih baik di halaman belakang kita sendiri. Aturan Cancon yang santai dan insentif produksi bersama harus menjadi tajuk utama. Ini adalah kejahatan bahwa Kisah Sang Pencipta bukan merupakan produksi bersama Kanada. Ada sedikit selera untuk menggabungkan lembaga pendanaan; Sebagai gantinya, pertanggungjawaban diperlukan mengenai bagaimana pertunjukan didanai dan agensi perlu menciptakan dana pemasaran yang lebih kuat dan strategis untuk produk Kanada.
    Selain itu, fokusnya harus pada merangsang lebih banyak konten dengan mengganti atau mengurangi sistem titik produksi Kanada. Sistem saat ini mengalokasikan dana berdasarkan peruntukan tenaga kerja Kanada yang telah usang yang terikat pada produksi. Ajukan kritik, tapi saya juga akan memberi lebih banyak dana ke CBC, penyiar yang tidak memiliki perintah keuntungan dan memiliki mandat untuk menayangkan lebih dari 80 per sen Kanada di prime time. BBC mendapat tujuh kali dana CBC untuk populasi yang terdapat dalam ruang seukuran New Brunswick. Negara-negara Eropa melakukan ini dan akhirnya kita dapat melihat yang terbaik bila didanai dengan benar. Untuk menyeimbangkan persamaan, Joly harus menemukan cara untuk membantu produsen menyampaikan jenis produk yang akan membuat jaringan pribadi menciptakan pengalaman pemirsa seperti yang dilakukan Netflix dan bersaing dengan pemrograman yang mengalir ke negara ini.

  • Risiko yang lebih besar menghasilkan imbalan lebih besar

    Ketika menyangkut konten, kita perlu mengambil lebih banyak risiko dan khawatir dengan kegagalan. Sementara ini sulit dibayangkan saat penggemar Kanada menulis dan menuntut musim lain Big Brother Canada, kami berenang dengan bahan yang bagus di rumah. Scotiabank Giller Prize, sebuah acara bergaya Oscar yang merayakan fiksi sastra, bertengger dari dinding ke dinding dengan konten menjerit untuk dijadikan seri pembunuh atau film. Kami telah melihat penulis pemenang Giller karya Alice Munro, Vincent Lam dan Margaret Atwood berubah menjadi serial atau film, tapi itu tidak cukup. Saya akan memilih novel Madeleine Thien Do Not Say We Have Nothing dalam satu menit dan saya akan mempekerjakan Heather O’Neill untuk menulis komedi edgy sepanjang hari. Joly dapat merangsang ini dengan insentif pajak yang lebih besar yang melekat pada karya fiksi Kanada yang asli.

  • Membawa homegrown kami kembali ke rumah

    Kita perlu berhenti memfitnah dan berkabung seniman Kanada yang pergi untuk mencari pekerjaan di Hollywood. Mari kita bawa mereka kembali dan co-ciptakan bersama. Kami memiliki setengah miliar dolar yang tersedia dari agen pendanaan kami yang dapat memberi insentif kepada Paul Haggis atau Denis Villeneuve untuk pulang lebih sering. Atau bagaimana dengan selusin penulis Kanada hebat yang saat ini bekerja di pameran A.S.? Saya akan memberi Samantha Bee sebuah kontrak yang membuat kepalanya berputar. Saya lebih suka menghabiskan uang di sini daripada menebus Bombardier. Kirim sebuah jet untuk Bee, bawa dia pulang.

Baru-baru ini, saya mendapat beberapa hiburan hiburan dari kalangan pendengar Kanada yang mempelajariku tentang kejahatan yang merekrut penghibur Kanada yang sangat sukses yang telah menemukan kesuksesan di Hollywood. “Orang-orang Kanada membenci aktor yang pindah dan kemudian kembali bekerja di sini.” Dia kemudian mencantumkan semua orang yang dia benci, dari Eric McCormack ke Jim Carrey. Saya ingin segera mengirimnya kembali dengan satu kali penerbangan United Airlines.

Saya percaya bahwa sekarang kita memiliki industri yang bangga dengan hasil panen kita, dan mungkin segera masyarakat juga berada di ambang kepedulian juga. Yang perlu dipastikan Joly adalah kita memiliki alat dan dukungan untuk mencapainya hari itu.

Ruang dan Kembali: Tom Sachs dan Kegagalan Triumphant untuk Membuat Sepatu Cocok untuk Mars

Ruang dan Kembali: Tom Sachs dan Kegagalan Triumphant untuk Membuat Sepatu Cocok untuk Mars

Lima ratus dolar akan memungkinkan untuk membeli banyak barang, di antaranya sejumlah pasang sepatu Nike Mars Yard milik artis Tom Sachs yang sekarang dijual di eBay. Tidak semua dari mereka, meskipun-beberapa pasang ditandai dengan harga yang jauh lebih tinggi, bergerak dari $ 700 sampai $ 800 dan, tidak secara rasional, sampai $ 2,999.99. (Pasangan lain dalam berbagai ukuran bisa didapat sekitar $ 150).

Banyak daftar pelelangan tampaknya tidak malu dengan pengkhianatan sentimen mereka di balik edisi terbatas, dengan beberapa foto yang ditulis secara eksplisit di kotak produk resmi yang tertulis-di dalam tulisan tangan Sachs di atas swoosh Nike yang keren- “Ini Sepatu hanya berlaku jika dipakai dan dikenakan mati oleh Anda. Poster tidak perlu diaplikasikan. “

Banyak pose diterapkan. Tapi mereka harus bekerja untuk mendapatkan barang dagangan mereka, atau setidaknya itulah idenya. Akses ke sepatu tersedia awal musim panas ini di sebuah instalasi “Space Camp” bergaya Sachs yang interaktif di Governors Island di New York. Sneakerheads dan berbagai macam lainnya membawa feri ke sana untuk membuat pemandangan, yang dikelilingi rintangan yang diatur di dalam sebuah bangunan terbengkalai. Para inisiat pada hari saya pergi disambut oleh suara Wu-Tang Clan yang sedang booming di tumpukan speaker di luar. Begitu berada di gubuk, orientasi dimulai dengan pemutaran The Hero’s Journey, sebuah film baru yang dibuat oleh Sachs dan kolaboratornya yang sering dikunjungi Van Neistat yang menelusuri jalan seorang magang di studio SoHo bertingkat. Proses indoktrinasi sangat keras dan tanpa henti, dengan ketahanan fisik dan mental sebagai prioritas utama. “Dengan sendirinya saya mengarahkan pikiran saya,” Sachs meminta rekan-rekannya untuk mengulanginya dalam sebuah mantra dalam film tersebut. Satu lagi yang dilontarkan “Alat-alat listrik adalah hak istimewa, bukan hak.”

Setelah film tersebut, sekelompok peserta “Space Camp” diantar ke tempat penyimpanan dimana pakaian latihan disediakan, dengan strip perak untuk menuliskan nama seseorang di Sharpie untuk tujuan identifikasi. Setelah selesai, aktivitas dimulai. Kursus rintangan itu sendiri, yang tersembunyi dari pandangan dan dengan demikian menjadi misteri bagi siapa pun yang tidak dibantu oleh pembelian sepatu atau pengalaman seni biasanya banyak mengalami cobaan berat, sama sekali tidak kuat. Tahap pertama menyerukan pendakian dan membunyikan bel yang ditangguhkan dari langit-langit, bisa dijangkau hanya dengan tali. (Artinya, jika seseorang memilih “keras” yang bertentangan dengan “mudah” saat meminta tindakan yang lebih disukai, cara “mudah” menawarkan penggunaan tangga, tapi apa gunanya bahkan tidak mencoba?)

Tidak mudah menaiki tali, dan kegagalan, ternyata, sangat banyak pilihan – dalam hal itu dan kemudian juga tahap lain yang menguji berbagai kecerdikan fisik dan cara kerja pikiran. Satu skenario melibatkan pilot sebuah helikopter kendali jarak jauh miniatur untuk mengambil kapsul ruang angkasa dari laut calon dengan kail, memindahkannya ke sebuah platform, dan kemudian mendarat dengan selamat di dek lain. Kesabaran dan kemahiran dibutuhkan, dalam persediaan tinggi.

  • Tahap lain bermain sebagai ramshackle mengambil gambar dinding Sol LeWitt:

    Di papan kayu yang ditandai dengan goresan berlekuk-lekuk di dinding, penonton tentu harus membungkuk dan menelusuri bentuk garis sambil mempertahankan jarak dekat dan membiarkan pensilnya keluar. Permukaan untuk alasan apapun Mungkin terdengar sederhana; Bukannya-terutama dengan lengan sudah lelah dan sakit karena memanjat tali, memegang papan, mengangkat beban, dan banyak lagi.
    “Kami menandai huruf merah besar” -di titik-titik di mana garis-garis menyentuh atau pensil terlepas- “dan memiliki itu, jadi itu menjadi medan kegagalan,” Sachs mengatakan tentang gambar dinding, yang akan tetap ada dalam pekerjaannya sampai Semua “Space Camp” dipecah dan diangkut dari pulau. Kami duduk di luar setelah berlari melewati jalannya selesai, keringat masih menetes, sementara para pekerja di “Space Camp” ada di sekitar. “Ini adalah rintangan dan, bagaimanapun, adalah intervensi konsumeris karena saya sangat sedih melihat semua pria sial yang antri untuk membeli sepatu kets di Supreme pada hari Sabtu, bukan bermain skateboard, bermain sepak bola, mengerjakan matematika, atau apa pun yang mengilhami mereka. Saya tidak suka kalau anak-anak ini mengantre dan menunggu, jadi saya pikir, Nah, jika mereka akan terus begadang semalaman menunggu sepatu kets, mari buat mereka benar-benar bekerja untuk itu. ”
    Seperti magang bercita-citaita dalam film yang diputar sebelumnya, peserta dalam program “Space Camp” menavigasi sebuah perjalanan dengan baik. “Selalu ada penghinaan dan kegagalan di awal, dan kami menginginkan The Hero’s Journey untuk menonjolkan hal itu,” kata Sachs. “Tidak ada orang yang memiliki kesuksesan juga tidak memiliki awal yang memalukan dengan banyak kegagalan.” Ini adalah kisah setua waktu, “Ini adalah kisah Luke Skywalker dan Odiseus dan Cher Horowitz dalam Clueless.”

Latihan merupakan bagian integral dari praktik seni yang, bagi Sachs, tidak bisa lebih holistik. “Kami melakukan ini untuk membuat tubuh kita lebih kuat sehingga ada landasan yang lebih kokoh untuk membuat keputusan sulit dengan pikiran kita,” katanya tentang dirinya sendiri dan acolytes di studionya. “Jika Anda memiliki tubuh yang kuat, Anda bisa mengalir lebih baik, berpikir lebih baik, tidur lebih nyenyak. Jika Anda tahu Anda harus hadir di pagi hari, Anda mungkin tidak minum terakhir itu, mungkin Anda akan tidur lebih awal. Ini adalah gaya hidup. Bagi saya tidak ada yang lebih penting daripada bekerja. Kursus rintangan ini memprioritaskan pekerjaan itu sendiri selama [mendapatkan] akhir. ”

Mengenai seni desain sepatu, yang pertama kali dia mainkan dengan Nike sekitar waktu tinggal empat minggu di New York Park Avenue Armory pada tahun 2012 untuk pemasangan pahatan / pertunjukannya “Program Luar Angkasa: Mars,” Sachs mengatakan bahwa dia tertarik dengan Pengertian kaki sebagai titik kontak. “Ini koneksi ke tanah,” katanya. “Sesuatu yang saya pelajari dari Brancusi atau David Smith adalah cara benda terhubung ke bumi itu penting: ia mengkomunikasikan struktur formal dari keseluruhannya. Jika Anda berbicara tentang tubuh fisik, lihat siapa saja dan ada kurva dan bayangan di bawahnya sebagai objek – orang itu, sosok itu mengapung di permukaan. ”

Dia tertarik pada proyek perancangan sepatu sebagai cara untuk melakukan semacam pemberontakan juga. “Banyak dari ini adalah cara saya mencoba memahami masalah seorang seniman yang bekerja dengan perusahaan seperti Nike,” katanya. “Saya mendekati kolaborasi ini dengan beberapa kekhawatiran karena, dalam melakukan intervensi budaya dengan budaya Nike, apa cara membuat produk 100 persen Nike dan 100 persen saya? Tentu saja aku ingin mengubahnya, tapi aku dan 100 Noam Chomskys tidak bisa membuat penyok-ini sangat besar. Jadi inilah cara saya mencoba mengurangi pengalaman saya dengan bercerita, bukan tentang cara Nike atau seharusnya – tapi caranya dalam beberapa cara kecil. ”

The Mars Yard 2.0 sneaker, dengan update pada model asli yang dibuat lima tahun yang lalu, menampilkan kelebihan penerbangan Sachsian yang mewah. Lubang dan alas kaki khusus melakukan tugas di samping “tali pengikat” khusus dan elemen yang telah dirancang untuk menua dengan rahmat. Gagasan untuk sepatu aslinya adalah bisa dipakai dan dipakai lagi dan dipakai lagi, untuk sisa waktu. Tapi ternyata kain bermutu tinggi yang digunakan Vectran, meski cukup kuat untuk digunakan agar kantung udara mendarat di Mars, berubah menjadi compang-camping saat mendapat banyak penggunaan yang berbeda dalam struktur sepatu yang terintegrasi. Jadi, penyesuaian dilakukan, semuanya hampir secara super spesifik dan, dengan gaya khas Sachs, mengundang pulang rumah. “Saya benar-benar berusaha bekerja sama dengan Nike untuk membuat sesuatu membangun cara saya membangunnya,” kata artis tersebut.

Proyek ini juga memungkinkan dia untuk melibatkan khalayak yang berbeda dari yang membuat rangkaian pameran museum dan galeri. “Benda sneaker-fetish itu besar-jauh lebih besar daripada dunia seni putih kecil kita yang aneh,” kata Sachs. Dan kemudian ada sepupunya yang diingatnya: “Saya membuat lukisan selotip ini [bertahun-tahun yang lalu] dan dia berkata, ‘Dapatkah saya mengajukan pertanyaan pribadi kepada Anda, Tommy? Apa maksudnya? “Saya menemukan diri saya dalam situasi mengerikan ini yang mencoba menjelaskan sejarah lukisan pascaperang kepada sepupu Marty, salesman mobil dari Long Island. Aku seperti, Persetan, aku tidak melakukan sesuatu yang benar. Saat itulah saya berhenti membuat hal-hal yang membutuhkan penjelasan. Saya suka seni abstrak-Anda tahu, Judd adalah sosok Kristus saya, secara pribadi. ”

Tapi rarifikasi bukanlah bagian dari pola pikir Tom Sachs, yang tampaknya menghormati semua benda dan menganggapnya sama dengan pesawat tertinggi. “Judd adalah benda sehari-hari seperti Air Jordan atau pesawat tempur adalah benda sehari-hari,” katanya. “Ini adalah objek nyata di dunia kita, seperti Barnett Newman, dan kita harus menganggap semuanya serius karena semuanya berhubungan satu sama lain. Ini tentang menemukan diagram Venn di mana pembom stealth dan sepatu Nike berinteraksi. “

Apa itu Plein Air Painting?

Apa itu Plein Air Painting?

Bethings – Lukisan udara Plein adalah tentang meninggalkan keempat dinding studio Anda dan mengalami melukis dan menggambar di bentang alam. Praktik itu berlangsung berabad-abad namun benar-benar dibuat menjadi bentuk seni oleh Impresionis Prancis. Keinginan mereka untuk melukis cahaya dan perubahannya, kualitas singkatnya, ditambah dengan penciptaan tabung cat yang dapat diangkut dan kotak kuda-pendahulu ke tempat pensil udara pleina saat ini – memungkinkan seniman kebebasan untuk melukis “en plein air,” yang merupakan Ekspresi Prancis untuk “di udara terbuka.”

Sketsa memungkinkan pelukis untuk memperbaiki keseluruhan desain sebuah lukisan dan dengan cepat menangkap catatan warna di bentang alam. Pelukis udara plein juga bisa menggunakan foto untuk membantu mendesain lukisan, meski biasanya mereka ikut bermain setelah artis tersebut meninggalkan situs lukisan outdoor untuk kenyamanan studio. Seorang seniman sering menggunakan foto untuk menangkap detail-seperti tekstur rumput atau bentuk tikungan sungai tertentu-namun kebanyakan pelukis menjauhi penggunaan foto untuk indikator warna dan nilai.

Saat ini, lukisan udara plein merupakan tren yang berkembang di dunia seni kita. Seniman berkumpul untuk kunjungan “cat out”, lokakarya yang ditujukan untuk latihan ini terjadi sepanjang tahun dan meluncur ke pantai, dan pelukis pemandangan menemukan bahwa lukisan udara plein sebagai pengalaman yang memuaskan dan hebat seperti pada pelukis udara plein pertama. Bertahun-tahun yang lalu.

Plein Air Painting Techniques: Painting Light

Bila Anda melukis dari pengamatan, baik di tempat atau di dalam rumah, Anda akan menemukan beberapa sumber cahaya yang berbeda, termasuk sinar matahari langsung, langit mendung, lampu jendela, cahaya lilin, dan lampu listrik. Jenis cahaya ini-dan yang lainnya juga-semuanya memiliki kualitas khas yang harus Anda pahami untuk melukisnya dengan meyakinkan.

  • Cahaya matahari langsungPada hari yang cerah dan cerah, tiga sistem iluminasi yang berbeda sedang bekerja: matahari, langit biru, dan cahaya yang dipantulkan dari benda yang diterangi. Dari ketiga sumber cahaya ini, dua yang terakhir berasal seluruhnya dari matahari, dan karenanya harus berada di bawahnya.
  • Cahaya TerangLapisan awan mendifusi sinar matahari, menghilangkan perbedaan ekstrem cahaya dan bayangan. Salah satu kebajikan cahaya yang mendung adalah memungkinkan Anda melukis bentuk dengan warna aslinya tanpa kontras terang dan teduh.
  • Lampu jalan & kondisi malamPemandangan malam modern mencakup lampu pijar, neon, neon, merkuri, sodium, busur, logam-halida, dan lampu LED – dan tentu saja sinar bulan. Masing-masing memiliki distribusi daya spektral yang khas.

Berikut adalah beberapa tip jika Anda ingin belajar lebih banyak tentang pencahayaan malam hari:

  • Beragam warna pencahayaan outdoor paling banyak terlihat saat terbang di atas kota pada malam hari.
  • Mengambil foto dengan kamera digital pada setting malamnya. Kamera baru sangat bagus dalam menangkap efek pencahayaan tingkat rendah.
  • Cobalah beberapa lukisan malam kota, menggunakan lampu LED portabel untuk menerangi palet Anda.
  • James Gurney, dari Plein Air Painting, Spring 2011 dan diadaptasi dari buku James Gurney, Color & Light: Panduan untuk Pelukis Realis
  • Plein Air Essentials: Lukisan Air

    Air mungkin adalah salah satu subjek yang lebih menantang untuk melukis secara meyakinkan dalam lukisan pemandangan. Apakah seseorang terinspirasi oleh laut, sungai, kolam atau danau, setiap subjek memerlukan keakraban yang dipelajari dan seringkali penanganan cat yang berbeda.

Berikut adalah beberapa tips yang kami anggap bermanfaat saat melukis air:

  • Langit dan air umumnya memiliki warna yang sama, meski airnya akan menjadi lebih gelap nilainya. Buatlah cakrawala atau garis pantai yang kokoh dan blok mereka pada saat bersamaan untuk memastikan warna-warna itu saling berbagi.
  • Gelombang laut dalam gerakan konstan menghadirkan tantangan bagi pelukis udara plein karena Anda ingin menangkap gerakan dan efek cahaya yang terjadi dalam gelombang yang pecah. Gelombang berubah warna dan nilainya karena naik tinggi dan menipis sesaat sebelum pecah. Sampai gelombang mulai pecah, ia berbagi warna langit. Saat naik, ia menjadi jendela transparan ke dalam gelombang itu sendiri, dan begitu berubah menjadi kehijauan, dan bahkan bisa mengambil warna pasir sesaat saat ia pecah. Cara yang bagus untuk cepat menguasai gelombang melukis adalah dengan melukis hanya dengan pisau palet.
  • Masih air di danau, kolam, dan bahkan sungai yang tenang menghadirkan tantangan melukis refleksi, yang kerap dipenuhi dengan warna matahari terbit atau terbenam. Maxfield Parrish biasa membangun model landscape di cermin untuk mendapatkan pantulannya tepat di lukisan studio realistiknya. Dalam udara plein, bagaimanapun, kita harus menganalisis di tempat, dan membuat refleksi itu dengan cara yang jauh lebih longgar dan lebih gestasional. Kecuali pantulannya adalah subjek Anda, cobalah merendernya sebagai massa warna tonal yang besar, bukan banyak goresan individual. Ingatlah bahwa pantulan selalu lebih gelap dari pada objek itu sendiri.
  • Melukis di Luar Ruangan dengan Cepat dan Sengaja

    Lukisan luar menantang karena lampu buronan dan terus berubah kondisi lingkungan atmosfer. Meskipun lukisan udara plein dihargai karena spontanitas dan kesegarannya, salah satu cara terbaik untuk mempelajari seni plein air adalah diatur dan disengaja.

    Untuk memastikan Anda membuat sebagian besar waktu Anda melukis di luar rumah, mulailah dengan sebuah rencana dan mendekati lukisan itu secara metodis sejak awal. Dalam kegembiraan untuk mulai melukis, banyak seniman melompat masuk dan mulai menutupi permukaan dengan warna sebelum komposisi ditarik dengan jelas dan sebelum mereka benar-benar menganalisis subjek, ruang yang akan digambarkan, dan warnanya dalam bentuk gambar yang abstrak.

    – Palette Anda: Mempertahankan palet yang terorganisir membantu Anda lebih cermat memikirkan apa yang Anda lukiskan. Cocokkan palet itu sendiri pada permukaan gambar. Saat kita mencampur cat pada palet yang erat menempel di permukaan, kita mengambil langkah kecil menuju akurasi warna.

    – Warna Premixing: Menggunakan pisau palet, campuran cat yang mencerminkan semua area penting dari komposisi yang diproyeksikan pada palet. Campuran harus disandingkan pada palet dalam hubungan, karena akan muncul di permukaan. Pisau palet memungkinkan campuran terbersih dan juga merupakan alat terbaik untuk menguji keakuratan warna. Campurkan warna yang seragam, ambil pisau yang terisi, dan letakkan dengan lengan terbuka di samping elemen di lanskap sebenarnya yang ingin Anda campurkan.

    – Meletakkan di Komposisi: Mulai dari jarak jauh (di bagian atas kanvas) dan bergerak maju secara bertahap (ke arah bawah), saya berbaring dengan warna seperti yang telah saya campur. Aturan umum saya adalah bekerja kembali ke depan, di dalam ke luar (misalnya, melukis lebih gelap di bagian pohon terlebih dahulu, lalu cahaya di daun), dan di bawah ke atas (seperti melukis bumi sebelum melukis rumput yang tumbuh di atas Atas itu). Dengan cara ini, lapisan cat mencerminkan hubungan spasial aktual di lanskap.

  • Plein Air Painting Techniques: Cara Melukis Awan

    Langit adalah apeks harfiah dan kiasan dari setiap lukisan pemandangan, dan di dalam hamparan langit ada kemungkinan banyaknya bentuk awan dan gaya, mulai dari yang memuncak dan berputar hingga berat dan rendah. Berikut adalah formasi awan yang paling sering ditemui di alam dan tip tentang bagaimana menggambarkannya saat Anda melukis di luar.

    Cumulus: Ini mungkin adalah awan yang paling sering terlihat, dan biasanya hadir pada hari yang cerah, cerah dan cerah. Mereka menyerupai massa besar wol bengkak dan melayang di langit di berbagai ketinggian, dengan sisi awan yang menghadap matahari biasanya sangat terang dan sisi yang lebih jauh dari matahari biasanya tampak gelap dengan tepi yang terang.

    Cirrus: Wispy dan tinggi di langit, awan ini sebenarnya terbuat dari kristal es yang terbentuk dari pembekuan tetesan air dingin dan biasanya hadir pada hari yang cerah. Atap Cirrus kadang-kadang disebut awan “bulu” atau “ekor kuda betina” dan mengarah ke arah pergerakan udara di ketinggian mereka, yang biasanya tingginya sekitar lima sampai enam mil.

    Stratus: Awan ini hampir dapat digambarkan sebagai selembar kabut berlapis yang menggantung rendah ke cakrawala pada hari abu-abu, biasanya selama musim dingin. Mereka sering berlapis dan terkadang memiliki pita horizontal bentuk yang mengindikasikan kemungkinan hujan. Seniman sering menemukan awan ini yang paling mudah dilukis untuk bentuk dan pola sederhana mereka.

    Nimbus: awan nimbus adalah awan hujan yang tebal teksturnya dan warnanya gelap sementara bentuk payungnya hampir seperti payung. Kegelapan mereka mencerminkan jumlah air yang mereka bawa, dan curah hujan itu bisa sampai ke bumi seperti hujan, salju, atau hujan es. Potongan kecil awan yang mengambang di tingkat yang lebih rendah sering disebut sebagai “scud.”

Tentang Seni – Apa Artinya Kami Benar-benar Berarti?

Tentang Seni – Apa Artinya Kami Benar-benar Berarti?

Mark Rothko, seorang seniman Amerika yang menggambarkan dirinya sebagai “pelukis abstrak”, pernah mengatakan tentang seni bahwa dia bukanlah tipe orang yang tertarik dengan hubungan bentuk, warna atau similars. Dia tidak mendefinisikan dirinya sebagai abstraksi, tapi lebih sebagai orang yang hanya tertarik untuk mengekspresikan emosi manusia dasar seperti malapetaka, tragedi, ekstasi dan sebagainya. Ini adalah visi seni seseorang, tapi apa yang kita maksud dengan seni hari ini? Mengapa mendefinisikan konsep begitu sulit? [Tautan diperiksa Februari / 10/2017],

Artikel ini adalah eksplorasi makna seni dan upaya untuk memahami hubungan antara seni dan seniman, dengan beberapa wawasan bermanfaat melalui wawancara dengan seniman tradisional dan digital.

  1. Tentang Seni – Apa Artinya?

    Pertanyaan ini sering muncul, dan dengan banyak jawaban. Banyak yang berpendapat bahwa seni tidak dapat didefinisikan. Kita bisa membahasnya dengan beberapa cara. Seni sering dianggap sebagai proses atau produk yang sengaja mengatur elemen dengan cara yang menarik bagi indera atau emosi. Ini mencakup beragam aktivitas manusia, kreasi dan cara berekspresi, termasuk musik, sastra, film, patung dan lukisan. Makna seni dieksplorasi dalam cabang filsafat yang dikenal sebagai estetika. Setidaknya, itulah yang klaim Wikipedia.
    Seni umumnya dipahami sebagai aktivitas atau produk apa pun yang dilakukan oleh orang-orang dengan tujuan komunikatif atau estetika – sesuatu yang mengekspresikan gagasan, emosi, atau pandangan dunia yang lebih umum.
    Ini adalah komponen budaya, yang mencerminkan substrat ekonomi dan sosial dalam desainnya. Ini mentransmisikan ide dan nilai yang melekat dalam setiap budaya melintasi ruang dan waktu. Perannya berubah seiring waktu, memperoleh lebih banyak komponen estetika di sini dan fungsi sosio-pendidikan di sana.Semua yang telah kita katakan sejauh ini memiliki unsur kebenaran namun terutama opini. Menurut Wikipedia, “Sejarawan seni dan filsuf seni telah lama memiliki perselisihan klasifikasi tentang seni mengenai apakah suatu bentuk budaya atau karya tertentu harus diklasifikasikan sebagai seni.”Definisi seni terbuka, subjektif, bisa diperdebatkan. Tidak ada kesepakatan di antara sejarawan dan seniman, karena itulah kita ditinggalkan dengan begitu banyak definisi seni. Konsep itu sendiri telah berubah selama berabad-abad.
    Gagasan seni terus berlanjut hingga sekarang ini menimbulkan kontroversi, begitu terbuka terhadap berbagai interpretasi. Hal ini dapat dianggap hanya aktivitas manusia, atau seperangkat aturan yang dibutuhkan untuk mengembangkan suatu kegiatan. Ini akan menggeneralisasi konsep di luar apa yang biasanya dipahami sebagai seni rupa, sekarang diperluas untuk mencakup bidang akademik. Kata itu juga banyak digunakan dalam bahasa sehari-hari, Pada artikel ini, kita maksudkan seni sebagai bentuk ekspresi manusia yang bersifat kreatif.

  2. Evolusi Konsep Link Seni

    Sementara definisi seni telah berubah selama bertahun-tahun, bidang sejarah seni telah berkembang untuk memungkinkan kita mengkategorikan perubahan seni dari waktu ke waktu dan untuk lebih memahami bagaimana bentuk seni dan dibentuk oleh dorongan seniman yang kreatif.
    Dengan memiliki pengetahuan sejarah seni yang solid, penting sekali. Saya berbicara dengan Alexander Daniloff dan Jonathan Ball tentang konsep seni melalui sejarah dan tentang apakah menelusuri sebuah garis melalui seni tradisional dan kontemporer adalah mungkin.

    Alexander Daniloff adalah seorang seniman Rusia yang tinggal dan bekerja di Italia. Fokusnya adalah melukis, meski ia pernah bekerja di beberapa media. Akhir-akhir ini, ia telah mengerjakan ilustrasi anak-anak. Ia telah berpartisipasi dalam berbagai acara dan lomba ilustrasi dan telah mengilustrasikan tiga buku. Dia telah mengadakan banyak pameran individu dan kelompok di Italia, Rusia, Belanda, Spanyol, Finlandia dan Amerika Serikat.
    Jonathan Ball adalah kreatif di balik Poked Studio, sebuah perusahaan inovatif yang berkomitmen untuk mengembangkan solusi visual yang kreatif. Itu tidak semua: antara layanannya, Poked Studio menawarkan ilustrasi Desain web, grafis dan blog; Rendering dan visualisasi  Grafis gerak Ilustrasi buku anak-anak Situs kilat Dan permainan.

    Pertanyaan: Bisakah kita melacak garis dari seni tradisional ke kontemporer?

    Alexander Daniloff: Saya tidak berpikir kita bisa mengatakan apapun tanpa jatuh ke dalam kontroversi, bahkan saya. Saya memiliki pandangan tradisional dan lebih memilih karya seni yang bisa berbicara untuk artis atau periode. Saya tidak bisa menjelaskan apa itu seni kontemporer, atau setidaknya apa arti dari itu. Ya, Anda bisa melacak garis dari seni tradisional ke kontemporer, tapi bukan yang lurus. Mungkin itu parabola yang naik dan turun, atau spiral. Kami tidak tahu. Yang bisa kita katakan adalah bahwa pasar seni telah berkembang, yang mempengaruhi seni itu sendiri. Dengan apa yang kita sebut seni kontemporer, kata-kata dan penjelasan selalu bernilai lebih.
    Seni visual telah diubah oleh artikel dan esai kritis; Sementara itu, karya itu sendiri telah menjadi bisu. Di teater, kurator dan kritikus telah menduduki barisan depan. Inilah pandangan saya tentang perbedaan antara seni kontemporer dan tradisional.
    Saya lebih menyukai seni yang diukur dalam dimensi manusia: seni yang berbisik dan tidak berteriak, seni yang menutupi saya dan membuat saya terbang dan tidak hancur. Tapi saya harus mengakui, beberapa hal modern menarik saya; Misalnya lukisan mural (graffiti) dan abstrak.

    Trips to real and mythological ages and changes in theatrical costumes and decor are a part of Alexander Daniloff‘s style. The style gives his paintings a special grace, showing both the festive and dramatic sides of life on stage. The style is also infused with a sweet irony that shakes up the painting. Precision, flexibility in design and subtle color harmony free up the artist’s movement between different artistic conventions, playing with light and shadow, line and color.

    Jonathan Ball: Ya, pasti (kita bisa menggambar garis dari seni tradisional ke kontemporer). Banyak teknik yang sama digunakan, hanya dengan cara yang sedikit berbeda dan dengan alat yang berbeda. Prinsip yang sama berlaku, namun Anda menciptakan seni.
    Saya melihat garis yang terutama berjalan melalui bentuk seni Jepang yang bergaya seperti Hokusai dan ilustrasi grafis bergaya kontemporer.

    Pertanyaan: Dibandingkan dengan evolusi seni tradisional, bagaimana Anda menggambarkan perkembangan seni digital (atau media baru)?

    Jonathan Ball: Seni digital telah berkembang dengan lebih cepat daripada teknik kerajinan tangan selama ribuan tahun. Seluruh generasi telah dibesarkan di “Photoshop” dan alat lainnya, sedangkan generasi sebelumnya menggunakan pena dan pensil.

    Namun, saya percaya bahwa seni digital masih dalam masa pertumbuhan. Terlepas dari apa yang tampaknya merupakan kemajuan besar dalam perangkat keras komputer, komputasi umum dan bahkan komputasi yang tersedia untuk kebanyakan studio desain tidak cukup cepat untuk mereproduksi seni dengan mudah pada skala dan tingkat detail yang mungkin dengan media tradisional. Pergi ke galeri nasional, dan Anda akan melihat karya dalam skala besar. Cobalah mereproduksi kanvas 10 kaki dengan resolusi karya seni lukis tangan dalam program 3-D, dan Anda akan menemukannya tidak dapat mengatasinya. Sebenarnya, sebagian besar program akan berusaha membuat gambaran rinci, katakanlah, 300 DPI hanya dengan ukuran A4.
    Sementara lukisan mungkin tampak bercak dan gumpalan, saat Anda mendekatinya, pola itu indah tersendiri, penuh warna, intensitas, kejenuhan dan tekstur. Pergilah mendekati seni digital atau layar TV dan Anda akan melihat kekacauan distorsi dan artefak.
    Begitu resolusi layar setara dengan media cetak, dan begitu teknologi komputer memungkinkan kita membuat karya dengan kecepatan tinggi yang sangat detail dengan kecepatan tinggi, maka digital akan berhasil dibawa ke media tradisional.
    Sebagian besar seni digital pada awal abad ke-21 dirancang untuk dilihat pada perangkat dengan resolusi rendah. Sebagian besar seni ini akan usang saat layar dan perangkat resolusi tinggi dikembangkan selama abad berikutnya. Dan banyak yang telah tersimpan hanya di hard drive akan hilang selamanya karena drive gagal dan situs web ditutup atau dibangun kembali.

    Saya merasa memalukan bahwa begitu banyak karya besar diproduksi ulang dengan resolusi dan skala terbatas dan tidak disimpan sedemikian rupa sehingga tetap aman untuk generasi mendatang.

    Pertanyaan: Beritahu kami tentang seni dan gerakan kesenian favorit Anda.

    Jonathan Ball: Sulit, karena saya suka begitu banyak gaya. Tapi saya menemukan bahwa jika saya berada di sebuah galeri seni, saya menyukai lukisan kontemporer karena banyak kejutan dan kurang dapat diprediksi daripada era sebelumnya.
    Saya menyukai ilustrasi kontemporer yang unik, terutama bentuk seni alis dan campuran mitos gothik.

  3. Estetika Dalam Seni Link Digital

     

    Pindah ke pertengahan abad ke-20, transformasi konseptual yang muncul dari pendekatan baru hingga seni menyebabkan krisis estetika, seperti yang terwujud dalam media seni baru.
    Sementara meminjam banyak konvensi media tradisional, seni digital dapat memanfaatkan estetika dari banyak bidang lainnya. Tapi berbagai kritik telah dibuat menentangnya: misalnya, mengingat beragam alat yang mereka miliki, seberapa banyak usaha yang harus dilakukan oleh seniman digital dalam pekerjaan mereka?
    Saya bertanya kepada Jan Willem Wennekes, yang juga dikenal sebagai Zeptonn, atas pendapatnya mengenai hal ini. Dia adalah seorang freelancer yang mengkhususkan diri dalam desain ilustrasi dan arahan seni, dengan fokus pada proyek ramah lingkungan dan lingkungan.
    Jan Willem Wennekes: Pertanyaannya agak sedikit ambigu. Di satu sisi, sepertinya ada pertanyaan tentang usaha yang dibutuhkan untuk membuat seni digital. Artinya, beberapa orang mungkin berpikir bahwa menggunakan media digital untuk menciptakan seni lebih mudah daripada menggunakan media tradisional.
    Fotografi pernah dipandang sebagai pesaing lukisan potret, namun pada akhirnya ia menjadi bentuk seninya sendiri, dengan banyak arahan dan bidang minat. Akibatnya, lukisan diuntungkan dari bangkitnya fotografi, dan masing-masing menambah minat lainnya dan menambah minat pada seni pada umumnya. Saat ini, kami tidak melihat fotografi sebagai pesaing untuk melukis; Kita melihat mereka sebagai media yang berbeda, dengan berbagai manfaat dan kekurangan. Saya pikir hal yang sama berlaku untuk bentuk seni digital yang lebih baru.

  4. Art As We Know It Today Link

    Abad ke-20 merupakan titik balik dalam konsepsi seni kita, yang terutama mengapa seniman kontemporer sering meraih konsep baru, berpisah dengan tradisi dan menolak gagasan klasik tentang kecantikan. Semua faktor ini telah melahirkan seni abstrak. Seniman tidak lagi mencoba untuk merefleksikan realitas, melainkan mencoba untuk memberikan ekspresi pada dunia batin dan perasaan mereka.
    Definisi seni lama telah menjadi usang. Saat ini, seni adalah sebuah konsep yang berkembang dan global, terbuka terhadap interpretasi baru, terlalu cair untuk disematkan.
    Saya mewawancarai Nate Williams dan Travis Lampe untuk mengeksplorasi elemen baru seni kontemporer dan untuk menjawab pertanyaan, elemen dan prinsip baru apa yang terbukti dalam seni masa kini.
    Nate Williams, juga dikenal sebagai Alexander Blue, adalah seniman, ilustrator dan perancang dari AS. Dia memiliki pengalaman yang luas dalam berbagai aspek industri ilustrasi, dan dia memiliki beragam klien. Ilustrasinya ditujukan untuk orang dewasa dan anak-anak. Dia juga pernah bekerja di dunia periklanan dan dalam penerbitan, musik, fashion, tekstil, dekorasi rumah, barang dagangan, poster, pers dan ekspresi sosial.
    Travis Lampe adalah ilustrator yang saat ini tinggal dan bekerja di Chicago. Ia bekerja sebagai art director dalam periklanan. Setelah dua tahun bertugas di Warsawa, dia kembali ke Chicago dan mencoba tangannya di bidang seni dan ilustrasi. Dia suka membuat seni dan mainan, dan dia telah menunjukkan di galeri-galeri bagus di seluruh AS dan di Eropa.
    Tidak diragukan lagi, saya terpengaruh oleh seni tradisional saya karena terpapar dengan gagasan yang saya temukan di Internet. Tempat yang bagus untuk menemukan kartun kuno.

Komunikasi lebih bagus untuk PR dan dengan cara itu sangat membantu seniman. Dan komunikasi yang lebih banyak harus menyamai lebih banyak gagasan yang terpantul, yang idealnya harus menghasilkan pemikiran konseptual yang lebih baik. Tapi sebagian besar “komunikasi” itu lancar. Dan saya pikir ada ambang batas di luar keterhubungan konstan tidak akan membantu. Seniman membutuhkan waktu yang tidak terputus karena gagasan kreatif menyatu. Seniman yang sukses adalah orang-orang yang disiplin dan mampu menyeimbangkan semua ini, kurasa.