Browsed by
Category: NEWS

David Gembala obituari

David Gembala obituari

Fresh out of school, tanpa prestasi skolastik untuk merekomendasikannya, David Shepherd melamar sebuah tempat di Slade School of Art di London. Slade memberinya bantuan terbesar dalam hidupnya dengan mengatakan kepadanya bahwa dia tidak memiliki bakat untuk seni. Sebagai gantinya, Gembala, seniman dan pelestari hutan, yang telah meninggal berusia 86, mengambil gambar melukis dari mesin kereta api, pesawat terbang dan – terobosan nyata – satwa liar, terutama gajah gajah khas Afrika, yang menghadap penampil dengan telinga yang menyebar luas. . Gambar binatang buas ini, sendiri atau dengan rekan-rekannya, bisa disebut Orang-orang Etosha, atau Dusty Evening, atau Elephant Heaven, atau bahkan, seperti di buku terlarisnya, Wise Old Elephant. Tidak masalah. Reproduksinya dijual sangat banyak.


Gembala adalah, beberapa orang mengatakan, Tretchikoff dari Inggris, dengan Wise Old Elephant the Chinese Girl, dan ini dimaksudkan sebagai pujian. Pastinya, dia menjadi sangat kaya dan membantu mengumpulkan lebih dari £ 8 juta untuk semangat besarnya lainnya – konservasi satwa liar – awalnya dengan menyumbangkan penjualan lukisan ke kegiatan amal seperti World Wildlife Fund, dan belakangan melalui upaya David Shepherd Wildlife Foundation, yang didirikannya pada tahun 1984. Kampanye amal untuk melindungi spesies yang terancam punah, dan memerangi perburuan dan perdagangannya.

Dia suka mengatakannya, dengan kesopanan palsu yang diijinkan untuk sukses besar, bahwa karirnya adalah serangkaian bencana. Serta kegagalannya memasuki sekolah seni, dia gagal meraih nilai dalam pilihan karir pertamanya, sebagai warden permainan di Afrika. Pilihan kedua adalah bekerja di bus. Sebelum memulai ini, dia menempatkan ambisi dan cinta artistiknya untuk satwa liar Afrika bersama-sama, untuk menciptakan kesuksesan tunggal yang dengannya dia dikenal.

David lahir di Hendon, London utara, putra Raymond Shepherd, seorang periklanan, dan Margaret (nee Williamson), seorang ibu rumah tangga. Mereka mengirim anak itu ke sekolah Stowe, di Buckinghamshire, uang tidak dihabiskan dengan baik karena tidak hanya dia kurang berprestasi secara skolastik tapi dia juga gagal mendapatkan selera bermain rugby. “Pertandingan itu diwajibkan di sekolah dan saya takut akan hal itu,” Shepherd kemudian berkata.

Dia pergi pada kesempatan paling awal dan, didanai oleh ayahnya, pergi ke Kenya untuk menjadi sipir permainan. “Saya mengetuk pintu kepala sipir kepala di Nairobi dan berkata, ‘Saya di sini, bolehkah saya menjadi sipir permainan?’ Saya diberitahu bahwa saya tidak diinginkan. Hidupku reruntuhan. “Setelah beberapa saat sebagai resepsionis hotel di pantai Kenya, dia kembali ke Inggris, dan nasihat menyedihkan Slade, sebelum dia bertemu secara kebetulan dengan seorang seniman jobbing bernama Robin Goodwin, yang membawa Shepherd sebagai asisten di studionya di Chelsea, London barat, tempat roti dan mentega berasal dari lukisan potret dan mata pelajaran kelautan.

Selama periode tiga tahun ini, Shepherd berpartisipasi dalam pameran tahunan di pagar Tanggul Victoria, “sebuah etalase toko yang indah”, seperti yang dia katakan. Ketertarikan masa kecilnya dengan dogfights udara di atas rumah London utara selama perang dunia kedua menyebabkan spesialisasi dalam lukisan penerbangan, dan, setelah sebuah pesawat lukis musim panas di Heathrow dia memenangkan beberapa komisi dari perusahaan penerbangan. Selama masa ini Gembala juga bertemu dengan Avril Gaywood, sekretaris Capital Airlines, dan pasangan tersebut menikah pada tahun 1957.

Pada tahun 1960 Angkatan Udara Kerajaan menerbangkannya ke Kenya, kali ini tidak melukis pesawat terbang tapi untuk menggambarkan kehidupan di negara ini. Dia melukis seekor badak yang mengejar sebuah pesawat di landasan pacu, dan tidak pernah menoleh ke belakang. Gajah, singa, harimau, cheetah, zebra, jerapah diikuti semua. Pada kunjungan yang sama Gembala juga menjadi seorang pelestari, setelah menemukan sekawanan zebra mati di sekitar lubang air, diracuni oleh pemburu, pemandangan yang tidak pernah dia lupakan.

Ada subjek yang lebih dekat ke rumah, seperti mesin uap kesayangannya, dan hewan piaraan seperti sapi Highland dan bahkan seekor tupai, dalam gambar bernama Nuts. Amati itu, orang-orang skeptis mungkin telah mengatakannya, tapi orang-orang skeptis sedikit sebelum legiun pengagum tersebut.

Pelajaran pertama Goodville untuk anak didiknya adalah melupakan ekspresi diri dan tetap memperhatikan intinya. Ini adalah pelajaran yang dipelajari oleh Shepherd. Pada tahun 1962, Boots the Chemists membuat cetakan Gajah Tua yang Bijaksana, yang sangat populer, sehingga salinannya dapat terlihat tergantung di flat Trotters di sitkom Only Fools and Horses.

Lukisannya konsisten dalam komposisi dan materi pelajaran – umumnya satu hal besar (apakah mesin uap atau gajah – “keduanya besar dan dramatis dan keduanya perlu diselamatkan”, kata Shepherd) sering berhadapan langsung di tengah latar depan, dengan tidak banyak perhatian untuk detail kedalaman atau latar belakang. Dia menghina seni modern, dari Picasso sampai Damien Hirst, dan menghina para kritikus, sebuah sentimen yang kembali dalam ukuran penuh.

Pameran tunggalnya yang pertama di London pada tahun 1962, dan kemudian sukses secara internasional. Dia melukis potret presiden Zambia Kenneth Kaunda pada tahun 1967, dan Ratu Elizabeth Ratu Ibu dua tahun kemudian. Pada tahun 1970 membuat The Man Who Loves Giants, sebuah film dokumenter tentang artis tersebut, dan lima tahun kemudian Shepherd menerbitkan otobiografinya dengan judul yang sama.

Seiring karirnya lepas landas, dia membeli rumah pertanian Surrey yang reruntuhan di 16 hektar dengan kolam ikan trout, dan bisa membanggakan bahwa dia memiliki mesin kereta api di kebun belakangnya: tiga di antaranya, masing-masing memiliki bahan baku utama 120 ton, dua dibeli dari British Rail , yang dipresentasikan oleh Kaunda, yang menjadi subyek dokumenter lainnya, Last Train to Mulobezi.

Penyebab lainnya juga mendapat manfaat dari bakat seninya. Dia mengumpulkan uang untuk Dana Kebaikan RAF dan untuk peringatan Komando Bomber di Green Park, London. Namun konservasi adalah penyebab hidupnya dan karena itulah dia dibuat OBE pada tahun 1980 dan CBE di tahun 2008. Pada tahun 2011 ia meluncurkan kampanye media sosial untuk menyelamatkan harimau di alam liar, TigerTime. “Manusia adalah binatang yang paling bodoh, sombong dan berbahaya di Bumi,” katanya. “Setiap jam kita menghancurkan sebuah spesies yang punah, dan kecuali kita mulai melakukan sesuatu dengan sangat cepat, kita akan menghancurkan diri sendiri.”

Baca Juga :

Seniman Mesir menciptakan potret dari tembakau yang terbakar

Seniman Mesir menciptakan potret dari tembakau yang terbakar

ALEXANDRIA, Egypt (Reuters) – Di sebuah studio kecil yang dikotori dengan paket rokok kosong di kota kedua Mesir, Alexandria, Abdelrahman al-Habrouk duduk membungkuk di selembar kertas yang membuat potret dengan tembakau.

Rokok itu menyulut seninya Dia memecah mereka menjadi dua, dengan susah payah menelusuri gambar monokrom selebriti atau binatang dengan serpihan tembakau yang bagus, lalu menaburkan ciptaannya dengan bubuk mesiu dan membakar mereka.

Ia menghasilkan tanda hangus pada kertas putih berupa potret.

Habrouk, yang kini berusia 23 tahun, mulai menggunakan bahan yang tidak biasa untuk membuat gambar beberapa tahun yang lalu, bereksperimen dengan kopi, garam dan pasir sebelum menetap dengan teknik tembakau karena lebih awet.

Idenya adalah saya mencoba membuat seni hidup lebih lama,” katanya kepada Reuters.

“Saya ingin membuat sesuatu yang baik dari sesuatu yang dianggap berbahaya,” tambahnya.

Ordonansi Miami yang Diusulkan Bisa Membingungkan Pengembang Dari Membeli Seni Umum,

Ordonansi Miami yang Diusulkan Bisa Membingungkan Pengembang Dari Membeli Seni Umum,

Di permukaan, tampaknya seperti langkah cerdas : membuat pengembang kaya menutupi biaya seni publik. Tapi menggaruk vinir itu, kata para lawan, dan fase baru dari rencana Art in Public Places di City of the Best adalah perkosaan dari pita merah yang tidak perlu – dan yang terburuk adalah sarana bagi kota untuk merebut dana dari tangan seniman lokal.

“Kota ini menambahkan banyak rintangan pada sesuatu yang mereka pikir akan menciptakan lebih banyak bisnis,” kata Books Bischof, salah satu pendiri Proyek Utama galeri lokal.

Perencana Kota Efren Nunez, yang menulis peraturan tersebut, mengatakan bahwa Tahap I undang-undang ini dibuat sebagai tanggapan terhadap Departemen Kebudayaan Negeri Miami, yang akan menunda pendanaan ke kota karena kota tersebut tidak memenuhi persyaratan untuk seni publik. . Komisioner kota menyetujui fase itu dengan sedikit perlawanan.

Namun bethings, tahap kedua ordonansi telah menarik perhatian para seniman lokal terkemuka. Tahap II – yang akan dipilih oleh dewan komisaris kota kemungkinan bulan depan, menurut Nunez – akan meminta pengembang untuk menampilkan barang seni publik senilai 5 persen menjadi 1,25 persen dari biaya konstruksi mereka, tergantung pada total biaya proyek, atau membayar antara , 25 persen dan 1 persen dari biaya konstruksi mereka ke dalam dana Art in Public Places di kota ini.
Nunez mengatakan bahwa rencana tersebut tidak akan membebani pembayar pajak apapun dan dapat mengumpulkan sebanyak $ 8 juta untuk menyuntikkan seni visual ke ruang publik Miami. Banyak pemerintah daerah lainnya di Florida Selatan, termasuk Miami Beach dan Miami-Dade County, memiliki program serupa. Nunez mengatakan bahwa ia menarik bahasa dari tata cara seni publik lainnya, baik lokal maupun dari kota-kota dengan volume konstruksi yang sebanding seperti Los Angeles.

“Seni publik adalah cerminan identitas kota dan tempatnya pada waktunya, seni publik mengilhami dan mengaktifkan imajinasi setiap orang, mendorong orang untuk berpikir dan memperhatikan,” kata Nunez. Melalui perundang-undangan ini, ia meyakini, semakin banyak seni yang akan tercipta dan dibawa ke kota.

Tetapi beberapa seniman lokal terkemuka mengatakan bahwa proposal Miami akan memberi kota ini kontrol yang lebih besar daripada kebanyakan kotamadya lainnya. Aturannya akan memberi para pengembang ultimatum: membeli seni untuk lahan pribadi mereka atau membayar biaya ke kota. Pengembang juga harus mendapatkan pilihan karya seni yang disetujui oleh dewan kota beranggota sembilan orang, yang saat ini termasuk pengembang Dacra Craig Robins dan perwakilan dari Museum Seni Pérez Miami, dan menggunakan penilai profesional untuk membuktikan nilainya.

Bischof prihatin dengan kekuatan dewan harus memutuskan seni publik. “Apa yang mempengaruhi dewan ini? Bukankah itu akan menciptakan kronisme? Dunia seni sudah dijalankan oleh elite,” kata Bischof. “Ini tidak akan menguntungkan masyarakat seni setempat kecuali jika ada program berbasis insentif.”

“Ini adalah lereng licin bagi pemerintah untuk menentukan seni apa.”

Saat ini banyak pengembang bekerja dengan galeri lokal untuk menempatkan karya-karya seniman up-and-coming dalam proyek mereka. Berdasarkan peraturan baru, pengembang harus bekerja sama dengan dewan kota atau memilih keluar dengan membayar biaya. Uang itu akan masuk ke dalam dana yang juga dikendalikan oleh dewan kota. Para penentang mengatakan bahwa peraturan tersebut pada intinya mengubah kota menjadi perantara perantara, memberi insentif kepada pengembang untuk memberikan uang tunai ke kota dan menghukum mereka yang memilih seni mereka sendiri dengan memaksakan sekelompok birokrasi. Either way, kritikus berpendapat, seniman lokal, desainer, dan gallerists yang mungkin memiliki kesempatan untuk bekerja secara langsung dengan pengembang untuk menjual karya mereka akan kehilangan.

“Pengembang apa yang ingin kota itu memilih seni atas nama mereka?” Kata Nina Johnson “Ini lebih murah untuk membayar 1 persen untuk mendapatkannya dari belakang mereka. Ini akan sangat merugikan sumber penghasilan besar bagi kita semua.”

Penilai yang dibutuhkan juga bisa melukai seniman lokal, kata lawan. Seniman lokal dan mancanegara tidak mungkin dinilai cukup tinggi untuk memenuhi tolok ukur kota, yang dapat menyebabkan pengembang memilih karya seniman yang lebih mapan. Itu membuat rencana “tentang dolar dan bukan seni,” kata Adam Gersten, pemilik bar Gramps di Wynwood. Dia juga berada di City of Miami Planning, Zonation and Appeals Board dan Wynwood Business Improvement District (BID), yang bertemu dengan Nunez untuk membahas undang-undang ini.

“Ini benar-benar tentang memasukkan uang ke dana yang akan dikelola oleh dewan yang tidak memiliki rekam jejak,” kata Gersten. “Lebih dari itu, ada banyak contoh yang diberikan oleh dewan kami dimana sistem dapat digemari dan tidak akan bermanfaat bagi komunitas atau seniman kami di komunitas kami.”

Nunez mengatakan bahwa kota tersebut akan menggunakan penilai independen. “Bank-bank seni memberi tahu kita apa pekerjaan di trading … Ini seperti Buku Biru untuk Seni,” tegasnya. “Tidak ada dalam undang-undang yang melarang karya seniman lokal agar tidak diintegrasikan ke dalam lokasi pembangunan.”

Gallerists seperti Bischof and Johnson, dari seni galeri Haiti Little yang tidak dikenal, keduanya sudah memiliki hubungan dengan pengembang untuk memberikan karya seni, dan ingin kehilangan bisnis itu. “Iblis ada dalam rinciannya,” kata Johnson. “Mereka mencoba untuk memungut pajak ini untuk merampok galeri lokal, setiap orang mulai bercakap-cakap ke galeri midcareer, dari klien baru. Condos dan hotel membeli seni adalah cara yang sangat besar untuk menghasilkan uang di sini.”
Bahkan bisa dibilang seni publik Miami yang paling terkenal  seni mural Wynwood secara teknis tidak sesuai dengan standar kota untuk program ini, Johnson mengatakan. Graffiti tidak akan dianggap memiliki nilai sesuai dengan peraturan yang semula diusulkan, yang mendorong beberapa pushback dan percakapan enam bulan dengan Wynwood BID. Nunez mengatakan bahwa sebagai hasilnya, kota tersebut “memberi Wynwood kemampuan untuk menyetujui pedoman, persyaratan, dan papan tinjauan mereka sendiri untuk mendapatkan persetujuan seni publik.”
Tapi wakil ketua BID Wynwood, Albert Garcia, mengatakan bahwa membebaskan lingkungannya tidak memecahkan masalah yang mendasarinya. “Cara pembuatan undang-undang ini disusun hari ini, sebagian besar seni di Wynwood tidak akan memenuhi syarat sebagai seni. Jadi undang-undang ini akan menghilangkan kemungkinan bahwa Wynwood baru akan diciptakan, dan itu tidak akan membiarkan Wynwood terus menjadi Wynwood.”

Garcia mengatakan bahwa masyarakat tahu apa yang dibutuhkannya dalam hal pengembangan seni budaya. “Kemajuan artistik di Wynwood adalah sebuah kolaborasi antara komunitas artistik dan sektor swasta, dan ini adalah akar rumput, proses organik.Wynwood BID tidak memiliki pendapat tentang seni apa Kami percaya seni adalah ungkapan [dan] pemerintah harus tetap berada di luar sana. Kami ingin memberi insentif, untuk melindungi seni, dan mendorong pengembang untuk melakukan sesuai keinginan mereka.


Garcia khawatir bahwa dewan seni publik yang diusulkan akan menjadi satu-satunya pemasok seni publik di kota ini. Menurutnya, tempat yang paling banyak menderita adalah komunitas seperti Little Haiti dan Little Havana. “Penting bagi semua komunitas di Miami, pusat berbasis warisan budaya, untuk benar-benar memperhatikan undang-undang ini, karena mereka berisiko diresmikan seni yang sebenarnya tidak mencerminkan sejarah mereka. Mereka akan kehilangan warisan mereka untuk Sebuah pendekatan yang homogen.
Tapi seniman lokal bisa menderita lebih banyak, lanjutnya. “Mereka paling banyak kehilangan jika mereka tidak diakui sebagai seniman yang sah yang karyanya tidak sesuai dengan standar kota. Itu adalah lereng licin bagi pemerintah untuk menentukan seni apa.”

Komisioner kota akan memberikan suara di atasnya pada akhir musim panas atau awal musim gugur, kemungkinan 7 September.

Ruang dan Kembali: Tom Sachs dan Kegagalan Triumphant untuk Membuat Sepatu Cocok untuk Mars

Ruang dan Kembali: Tom Sachs dan Kegagalan Triumphant untuk Membuat Sepatu Cocok untuk Mars

Lima ratus dolar akan memungkinkan untuk membeli banyak barang, di antaranya sejumlah pasang sepatu Nike Mars Yard milik artis Tom Sachs yang sekarang dijual di eBay. Tidak semua dari mereka, meskipun-beberapa pasang ditandai dengan harga yang jauh lebih tinggi, bergerak dari $ 700 sampai $ 800 dan, tidak secara rasional, sampai $ 2,999.99. (Pasangan lain dalam berbagai ukuran bisa didapat sekitar $ 150).

Banyak daftar pelelangan tampaknya tidak malu dengan pengkhianatan sentimen mereka di balik edisi terbatas, dengan beberapa foto yang ditulis secara eksplisit di kotak produk resmi yang tertulis-di dalam tulisan tangan Sachs di atas swoosh Nike yang keren- “Ini Sepatu hanya berlaku jika dipakai dan dikenakan mati oleh Anda. Poster tidak perlu diaplikasikan. “

Banyak pose diterapkan. Tapi mereka harus bekerja untuk mendapatkan barang dagangan mereka, atau setidaknya itulah idenya. Akses ke sepatu tersedia awal musim panas ini di sebuah instalasi “Space Camp” bergaya Sachs yang interaktif di Governors Island di New York. Sneakerheads dan berbagai macam lainnya membawa feri ke sana untuk membuat pemandangan, yang dikelilingi rintangan yang diatur di dalam sebuah bangunan terbengkalai. Para inisiat pada hari saya pergi disambut oleh suara Wu-Tang Clan yang sedang booming di tumpukan speaker di luar. Begitu berada di gubuk, orientasi dimulai dengan pemutaran The Hero’s Journey, sebuah film baru yang dibuat oleh Sachs dan kolaboratornya yang sering dikunjungi Van Neistat yang menelusuri jalan seorang magang di studio SoHo bertingkat. Proses indoktrinasi sangat keras dan tanpa henti, dengan ketahanan fisik dan mental sebagai prioritas utama. “Dengan sendirinya saya mengarahkan pikiran saya,” Sachs meminta rekan-rekannya untuk mengulanginya dalam sebuah mantra dalam film tersebut. Satu lagi yang dilontarkan “Alat-alat listrik adalah hak istimewa, bukan hak.”

Setelah film tersebut, sekelompok peserta “Space Camp” diantar ke tempat penyimpanan dimana pakaian latihan disediakan, dengan strip perak untuk menuliskan nama seseorang di Sharpie untuk tujuan identifikasi. Setelah selesai, aktivitas dimulai. Kursus rintangan itu sendiri, yang tersembunyi dari pandangan dan dengan demikian menjadi misteri bagi siapa pun yang tidak dibantu oleh pembelian sepatu atau pengalaman seni biasanya banyak mengalami cobaan berat, sama sekali tidak kuat. Tahap pertama menyerukan pendakian dan membunyikan bel yang ditangguhkan dari langit-langit, bisa dijangkau hanya dengan tali. (Artinya, jika seseorang memilih “keras” yang bertentangan dengan “mudah” saat meminta tindakan yang lebih disukai, cara “mudah” menawarkan penggunaan tangga, tapi apa gunanya bahkan tidak mencoba?)

Tidak mudah menaiki tali, dan kegagalan, ternyata, sangat banyak pilihan – dalam hal itu dan kemudian juga tahap lain yang menguji berbagai kecerdikan fisik dan cara kerja pikiran. Satu skenario melibatkan pilot sebuah helikopter kendali jarak jauh miniatur untuk mengambil kapsul ruang angkasa dari laut calon dengan kail, memindahkannya ke sebuah platform, dan kemudian mendarat dengan selamat di dek lain. Kesabaran dan kemahiran dibutuhkan, dalam persediaan tinggi.

  • Tahap lain bermain sebagai ramshackle mengambil gambar dinding Sol LeWitt:

    Di papan kayu yang ditandai dengan goresan berlekuk-lekuk di dinding, penonton tentu harus membungkuk dan menelusuri bentuk garis sambil mempertahankan jarak dekat dan membiarkan pensilnya keluar. Permukaan untuk alasan apapun Mungkin terdengar sederhana; Bukannya-terutama dengan lengan sudah lelah dan sakit karena memanjat tali, memegang papan, mengangkat beban, dan banyak lagi.
    “Kami menandai huruf merah besar” -di titik-titik di mana garis-garis menyentuh atau pensil terlepas- “dan memiliki itu, jadi itu menjadi medan kegagalan,” Sachs mengatakan tentang gambar dinding, yang akan tetap ada dalam pekerjaannya sampai Semua “Space Camp” dipecah dan diangkut dari pulau. Kami duduk di luar setelah berlari melewati jalannya selesai, keringat masih menetes, sementara para pekerja di “Space Camp” ada di sekitar. “Ini adalah rintangan dan, bagaimanapun, adalah intervensi konsumeris karena saya sangat sedih melihat semua pria sial yang antri untuk membeli sepatu kets di Supreme pada hari Sabtu, bukan bermain skateboard, bermain sepak bola, mengerjakan matematika, atau apa pun yang mengilhami mereka. Saya tidak suka kalau anak-anak ini mengantre dan menunggu, jadi saya pikir, Nah, jika mereka akan terus begadang semalaman menunggu sepatu kets, mari buat mereka benar-benar bekerja untuk itu. ”
    Seperti magang bercita-citaita dalam film yang diputar sebelumnya, peserta dalam program “Space Camp” menavigasi sebuah perjalanan dengan baik. “Selalu ada penghinaan dan kegagalan di awal, dan kami menginginkan The Hero’s Journey untuk menonjolkan hal itu,” kata Sachs. “Tidak ada orang yang memiliki kesuksesan juga tidak memiliki awal yang memalukan dengan banyak kegagalan.” Ini adalah kisah setua waktu, “Ini adalah kisah Luke Skywalker dan Odiseus dan Cher Horowitz dalam Clueless.”

Latihan merupakan bagian integral dari praktik seni yang, bagi Sachs, tidak bisa lebih holistik. “Kami melakukan ini untuk membuat tubuh kita lebih kuat sehingga ada landasan yang lebih kokoh untuk membuat keputusan sulit dengan pikiran kita,” katanya tentang dirinya sendiri dan acolytes di studionya. “Jika Anda memiliki tubuh yang kuat, Anda bisa mengalir lebih baik, berpikir lebih baik, tidur lebih nyenyak. Jika Anda tahu Anda harus hadir di pagi hari, Anda mungkin tidak minum terakhir itu, mungkin Anda akan tidur lebih awal. Ini adalah gaya hidup. Bagi saya tidak ada yang lebih penting daripada bekerja. Kursus rintangan ini memprioritaskan pekerjaan itu sendiri selama [mendapatkan] akhir. ”

Mengenai seni desain sepatu, yang pertama kali dia mainkan dengan Nike sekitar waktu tinggal empat minggu di New York Park Avenue Armory pada tahun 2012 untuk pemasangan pahatan / pertunjukannya “Program Luar Angkasa: Mars,” Sachs mengatakan bahwa dia tertarik dengan Pengertian kaki sebagai titik kontak. “Ini koneksi ke tanah,” katanya. “Sesuatu yang saya pelajari dari Brancusi atau David Smith adalah cara benda terhubung ke bumi itu penting: ia mengkomunikasikan struktur formal dari keseluruhannya. Jika Anda berbicara tentang tubuh fisik, lihat siapa saja dan ada kurva dan bayangan di bawahnya sebagai objek – orang itu, sosok itu mengapung di permukaan. ”

Dia tertarik pada proyek perancangan sepatu sebagai cara untuk melakukan semacam pemberontakan juga. “Banyak dari ini adalah cara saya mencoba memahami masalah seorang seniman yang bekerja dengan perusahaan seperti Nike,” katanya. “Saya mendekati kolaborasi ini dengan beberapa kekhawatiran karena, dalam melakukan intervensi budaya dengan budaya Nike, apa cara membuat produk 100 persen Nike dan 100 persen saya? Tentu saja aku ingin mengubahnya, tapi aku dan 100 Noam Chomskys tidak bisa membuat penyok-ini sangat besar. Jadi inilah cara saya mencoba mengurangi pengalaman saya dengan bercerita, bukan tentang cara Nike atau seharusnya – tapi caranya dalam beberapa cara kecil. ”

The Mars Yard 2.0 sneaker, dengan update pada model asli yang dibuat lima tahun yang lalu, menampilkan kelebihan penerbangan Sachsian yang mewah. Lubang dan alas kaki khusus melakukan tugas di samping “tali pengikat” khusus dan elemen yang telah dirancang untuk menua dengan rahmat. Gagasan untuk sepatu aslinya adalah bisa dipakai dan dipakai lagi dan dipakai lagi, untuk sisa waktu. Tapi ternyata kain bermutu tinggi yang digunakan Vectran, meski cukup kuat untuk digunakan agar kantung udara mendarat di Mars, berubah menjadi compang-camping saat mendapat banyak penggunaan yang berbeda dalam struktur sepatu yang terintegrasi. Jadi, penyesuaian dilakukan, semuanya hampir secara super spesifik dan, dengan gaya khas Sachs, mengundang pulang rumah. “Saya benar-benar berusaha bekerja sama dengan Nike untuk membuat sesuatu membangun cara saya membangunnya,” kata artis tersebut.

Proyek ini juga memungkinkan dia untuk melibatkan khalayak yang berbeda dari yang membuat rangkaian pameran museum dan galeri. “Benda sneaker-fetish itu besar-jauh lebih besar daripada dunia seni putih kecil kita yang aneh,” kata Sachs. Dan kemudian ada sepupunya yang diingatnya: “Saya membuat lukisan selotip ini [bertahun-tahun yang lalu] dan dia berkata, ‘Dapatkah saya mengajukan pertanyaan pribadi kepada Anda, Tommy? Apa maksudnya? “Saya menemukan diri saya dalam situasi mengerikan ini yang mencoba menjelaskan sejarah lukisan pascaperang kepada sepupu Marty, salesman mobil dari Long Island. Aku seperti, Persetan, aku tidak melakukan sesuatu yang benar. Saat itulah saya berhenti membuat hal-hal yang membutuhkan penjelasan. Saya suka seni abstrak-Anda tahu, Judd adalah sosok Kristus saya, secara pribadi. ”

Tapi rarifikasi bukanlah bagian dari pola pikir Tom Sachs, yang tampaknya menghormati semua benda dan menganggapnya sama dengan pesawat tertinggi. “Judd adalah benda sehari-hari seperti Air Jordan atau pesawat tempur adalah benda sehari-hari,” katanya. “Ini adalah objek nyata di dunia kita, seperti Barnett Newman, dan kita harus menganggap semuanya serius karena semuanya berhubungan satu sama lain. Ini tentang menemukan diagram Venn di mana pembom stealth dan sepatu Nike berinteraksi. “

Tentang Seni – Apa Artinya Kami Benar-benar Berarti?

Tentang Seni – Apa Artinya Kami Benar-benar Berarti?

Mark Rothko, seorang seniman Amerika yang menggambarkan dirinya sebagai “pelukis abstrak”, pernah mengatakan tentang seni bahwa dia bukanlah tipe orang yang tertarik dengan hubungan bentuk, warna atau similars. Dia tidak mendefinisikan dirinya sebagai abstraksi, tapi lebih sebagai orang yang hanya tertarik untuk mengekspresikan emosi manusia dasar seperti malapetaka, tragedi, ekstasi dan sebagainya. Ini adalah visi seni seseorang, tapi apa yang kita maksud dengan seni hari ini? Mengapa mendefinisikan konsep begitu sulit? [Tautan diperiksa Februari / 10/2017],

Artikel ini adalah eksplorasi makna seni dan upaya untuk memahami hubungan antara seni dan seniman, dengan beberapa wawasan bermanfaat melalui wawancara dengan seniman tradisional dan digital.

  1. Tentang Seni – Apa Artinya?

    Pertanyaan ini sering muncul, dan dengan banyak jawaban. Banyak yang berpendapat bahwa seni tidak dapat didefinisikan. Kita bisa membahasnya dengan beberapa cara. Seni sering dianggap sebagai proses atau produk yang sengaja mengatur elemen dengan cara yang menarik bagi indera atau emosi. Ini mencakup beragam aktivitas manusia, kreasi dan cara berekspresi, termasuk musik, sastra, film, patung dan lukisan. Makna seni dieksplorasi dalam cabang filsafat yang dikenal sebagai estetika. Setidaknya, itulah yang klaim Wikipedia.
    Seni umumnya dipahami sebagai aktivitas atau produk apa pun yang dilakukan oleh orang-orang dengan tujuan komunikatif atau estetika – sesuatu yang mengekspresikan gagasan, emosi, atau pandangan dunia yang lebih umum.
    Ini adalah komponen budaya, yang mencerminkan substrat ekonomi dan sosial dalam desainnya. Ini mentransmisikan ide dan nilai yang melekat dalam setiap budaya melintasi ruang dan waktu. Perannya berubah seiring waktu, memperoleh lebih banyak komponen estetika di sini dan fungsi sosio-pendidikan di sana.Semua yang telah kita katakan sejauh ini memiliki unsur kebenaran namun terutama opini. Menurut Wikipedia, “Sejarawan seni dan filsuf seni telah lama memiliki perselisihan klasifikasi tentang seni mengenai apakah suatu bentuk budaya atau karya tertentu harus diklasifikasikan sebagai seni.”Definisi seni terbuka, subjektif, bisa diperdebatkan. Tidak ada kesepakatan di antara sejarawan dan seniman, karena itulah kita ditinggalkan dengan begitu banyak definisi seni. Konsep itu sendiri telah berubah selama berabad-abad.
    Gagasan seni terus berlanjut hingga sekarang ini menimbulkan kontroversi, begitu terbuka terhadap berbagai interpretasi. Hal ini dapat dianggap hanya aktivitas manusia, atau seperangkat aturan yang dibutuhkan untuk mengembangkan suatu kegiatan. Ini akan menggeneralisasi konsep di luar apa yang biasanya dipahami sebagai seni rupa, sekarang diperluas untuk mencakup bidang akademik. Kata itu juga banyak digunakan dalam bahasa sehari-hari, Pada artikel ini, kita maksudkan seni sebagai bentuk ekspresi manusia yang bersifat kreatif.

  2. Evolusi Konsep Link Seni

    Sementara definisi seni telah berubah selama bertahun-tahun, bidang sejarah seni telah berkembang untuk memungkinkan kita mengkategorikan perubahan seni dari waktu ke waktu dan untuk lebih memahami bagaimana bentuk seni dan dibentuk oleh dorongan seniman yang kreatif.
    Dengan memiliki pengetahuan sejarah seni yang solid, penting sekali. Saya berbicara dengan Alexander Daniloff dan Jonathan Ball tentang konsep seni melalui sejarah dan tentang apakah menelusuri sebuah garis melalui seni tradisional dan kontemporer adalah mungkin.

    Alexander Daniloff adalah seorang seniman Rusia yang tinggal dan bekerja di Italia. Fokusnya adalah melukis, meski ia pernah bekerja di beberapa media. Akhir-akhir ini, ia telah mengerjakan ilustrasi anak-anak. Ia telah berpartisipasi dalam berbagai acara dan lomba ilustrasi dan telah mengilustrasikan tiga buku. Dia telah mengadakan banyak pameran individu dan kelompok di Italia, Rusia, Belanda, Spanyol, Finlandia dan Amerika Serikat.
    Jonathan Ball adalah kreatif di balik Poked Studio, sebuah perusahaan inovatif yang berkomitmen untuk mengembangkan solusi visual yang kreatif. Itu tidak semua: antara layanannya, Poked Studio menawarkan ilustrasi Desain web, grafis dan blog; Rendering dan visualisasi  Grafis gerak Ilustrasi buku anak-anak Situs kilat Dan permainan.

    Pertanyaan: Bisakah kita melacak garis dari seni tradisional ke kontemporer?

    Alexander Daniloff: Saya tidak berpikir kita bisa mengatakan apapun tanpa jatuh ke dalam kontroversi, bahkan saya. Saya memiliki pandangan tradisional dan lebih memilih karya seni yang bisa berbicara untuk artis atau periode. Saya tidak bisa menjelaskan apa itu seni kontemporer, atau setidaknya apa arti dari itu. Ya, Anda bisa melacak garis dari seni tradisional ke kontemporer, tapi bukan yang lurus. Mungkin itu parabola yang naik dan turun, atau spiral. Kami tidak tahu. Yang bisa kita katakan adalah bahwa pasar seni telah berkembang, yang mempengaruhi seni itu sendiri. Dengan apa yang kita sebut seni kontemporer, kata-kata dan penjelasan selalu bernilai lebih.
    Seni visual telah diubah oleh artikel dan esai kritis; Sementara itu, karya itu sendiri telah menjadi bisu. Di teater, kurator dan kritikus telah menduduki barisan depan. Inilah pandangan saya tentang perbedaan antara seni kontemporer dan tradisional.
    Saya lebih menyukai seni yang diukur dalam dimensi manusia: seni yang berbisik dan tidak berteriak, seni yang menutupi saya dan membuat saya terbang dan tidak hancur. Tapi saya harus mengakui, beberapa hal modern menarik saya; Misalnya lukisan mural (graffiti) dan abstrak.

    Trips to real and mythological ages and changes in theatrical costumes and decor are a part of Alexander Daniloff‘s style. The style gives his paintings a special grace, showing both the festive and dramatic sides of life on stage. The style is also infused with a sweet irony that shakes up the painting. Precision, flexibility in design and subtle color harmony free up the artist’s movement between different artistic conventions, playing with light and shadow, line and color.

    Jonathan Ball: Ya, pasti (kita bisa menggambar garis dari seni tradisional ke kontemporer). Banyak teknik yang sama digunakan, hanya dengan cara yang sedikit berbeda dan dengan alat yang berbeda. Prinsip yang sama berlaku, namun Anda menciptakan seni.
    Saya melihat garis yang terutama berjalan melalui bentuk seni Jepang yang bergaya seperti Hokusai dan ilustrasi grafis bergaya kontemporer.

    Pertanyaan: Dibandingkan dengan evolusi seni tradisional, bagaimana Anda menggambarkan perkembangan seni digital (atau media baru)?

    Jonathan Ball: Seni digital telah berkembang dengan lebih cepat daripada teknik kerajinan tangan selama ribuan tahun. Seluruh generasi telah dibesarkan di “Photoshop” dan alat lainnya, sedangkan generasi sebelumnya menggunakan pena dan pensil.

    Namun, saya percaya bahwa seni digital masih dalam masa pertumbuhan. Terlepas dari apa yang tampaknya merupakan kemajuan besar dalam perangkat keras komputer, komputasi umum dan bahkan komputasi yang tersedia untuk kebanyakan studio desain tidak cukup cepat untuk mereproduksi seni dengan mudah pada skala dan tingkat detail yang mungkin dengan media tradisional. Pergi ke galeri nasional, dan Anda akan melihat karya dalam skala besar. Cobalah mereproduksi kanvas 10 kaki dengan resolusi karya seni lukis tangan dalam program 3-D, dan Anda akan menemukannya tidak dapat mengatasinya. Sebenarnya, sebagian besar program akan berusaha membuat gambaran rinci, katakanlah, 300 DPI hanya dengan ukuran A4.
    Sementara lukisan mungkin tampak bercak dan gumpalan, saat Anda mendekatinya, pola itu indah tersendiri, penuh warna, intensitas, kejenuhan dan tekstur. Pergilah mendekati seni digital atau layar TV dan Anda akan melihat kekacauan distorsi dan artefak.
    Begitu resolusi layar setara dengan media cetak, dan begitu teknologi komputer memungkinkan kita membuat karya dengan kecepatan tinggi yang sangat detail dengan kecepatan tinggi, maka digital akan berhasil dibawa ke media tradisional.
    Sebagian besar seni digital pada awal abad ke-21 dirancang untuk dilihat pada perangkat dengan resolusi rendah. Sebagian besar seni ini akan usang saat layar dan perangkat resolusi tinggi dikembangkan selama abad berikutnya. Dan banyak yang telah tersimpan hanya di hard drive akan hilang selamanya karena drive gagal dan situs web ditutup atau dibangun kembali.

    Saya merasa memalukan bahwa begitu banyak karya besar diproduksi ulang dengan resolusi dan skala terbatas dan tidak disimpan sedemikian rupa sehingga tetap aman untuk generasi mendatang.

    Pertanyaan: Beritahu kami tentang seni dan gerakan kesenian favorit Anda.

    Jonathan Ball: Sulit, karena saya suka begitu banyak gaya. Tapi saya menemukan bahwa jika saya berada di sebuah galeri seni, saya menyukai lukisan kontemporer karena banyak kejutan dan kurang dapat diprediksi daripada era sebelumnya.
    Saya menyukai ilustrasi kontemporer yang unik, terutama bentuk seni alis dan campuran mitos gothik.

  3. Estetika Dalam Seni Link Digital

     

    Pindah ke pertengahan abad ke-20, transformasi konseptual yang muncul dari pendekatan baru hingga seni menyebabkan krisis estetika, seperti yang terwujud dalam media seni baru.
    Sementara meminjam banyak konvensi media tradisional, seni digital dapat memanfaatkan estetika dari banyak bidang lainnya. Tapi berbagai kritik telah dibuat menentangnya: misalnya, mengingat beragam alat yang mereka miliki, seberapa banyak usaha yang harus dilakukan oleh seniman digital dalam pekerjaan mereka?
    Saya bertanya kepada Jan Willem Wennekes, yang juga dikenal sebagai Zeptonn, atas pendapatnya mengenai hal ini. Dia adalah seorang freelancer yang mengkhususkan diri dalam desain ilustrasi dan arahan seni, dengan fokus pada proyek ramah lingkungan dan lingkungan.
    Jan Willem Wennekes: Pertanyaannya agak sedikit ambigu. Di satu sisi, sepertinya ada pertanyaan tentang usaha yang dibutuhkan untuk membuat seni digital. Artinya, beberapa orang mungkin berpikir bahwa menggunakan media digital untuk menciptakan seni lebih mudah daripada menggunakan media tradisional.
    Fotografi pernah dipandang sebagai pesaing lukisan potret, namun pada akhirnya ia menjadi bentuk seninya sendiri, dengan banyak arahan dan bidang minat. Akibatnya, lukisan diuntungkan dari bangkitnya fotografi, dan masing-masing menambah minat lainnya dan menambah minat pada seni pada umumnya. Saat ini, kami tidak melihat fotografi sebagai pesaing untuk melukis; Kita melihat mereka sebagai media yang berbeda, dengan berbagai manfaat dan kekurangan. Saya pikir hal yang sama berlaku untuk bentuk seni digital yang lebih baru.

  4. Art As We Know It Today Link

    Abad ke-20 merupakan titik balik dalam konsepsi seni kita, yang terutama mengapa seniman kontemporer sering meraih konsep baru, berpisah dengan tradisi dan menolak gagasan klasik tentang kecantikan. Semua faktor ini telah melahirkan seni abstrak. Seniman tidak lagi mencoba untuk merefleksikan realitas, melainkan mencoba untuk memberikan ekspresi pada dunia batin dan perasaan mereka.
    Definisi seni lama telah menjadi usang. Saat ini, seni adalah sebuah konsep yang berkembang dan global, terbuka terhadap interpretasi baru, terlalu cair untuk disematkan.
    Saya mewawancarai Nate Williams dan Travis Lampe untuk mengeksplorasi elemen baru seni kontemporer dan untuk menjawab pertanyaan, elemen dan prinsip baru apa yang terbukti dalam seni masa kini.
    Nate Williams, juga dikenal sebagai Alexander Blue, adalah seniman, ilustrator dan perancang dari AS. Dia memiliki pengalaman yang luas dalam berbagai aspek industri ilustrasi, dan dia memiliki beragam klien. Ilustrasinya ditujukan untuk orang dewasa dan anak-anak. Dia juga pernah bekerja di dunia periklanan dan dalam penerbitan, musik, fashion, tekstil, dekorasi rumah, barang dagangan, poster, pers dan ekspresi sosial.
    Travis Lampe adalah ilustrator yang saat ini tinggal dan bekerja di Chicago. Ia bekerja sebagai art director dalam periklanan. Setelah dua tahun bertugas di Warsawa, dia kembali ke Chicago dan mencoba tangannya di bidang seni dan ilustrasi. Dia suka membuat seni dan mainan, dan dia telah menunjukkan di galeri-galeri bagus di seluruh AS dan di Eropa.
    Tidak diragukan lagi, saya terpengaruh oleh seni tradisional saya karena terpapar dengan gagasan yang saya temukan di Internet. Tempat yang bagus untuk menemukan kartun kuno.

Komunikasi lebih bagus untuk PR dan dengan cara itu sangat membantu seniman. Dan komunikasi yang lebih banyak harus menyamai lebih banyak gagasan yang terpantul, yang idealnya harus menghasilkan pemikiran konseptual yang lebih baik. Tapi sebagian besar “komunikasi” itu lancar. Dan saya pikir ada ambang batas di luar keterhubungan konstan tidak akan membantu. Seniman membutuhkan waktu yang tidak terputus karena gagasan kreatif menyatu. Seniman yang sukses adalah orang-orang yang disiplin dan mampu menyeimbangkan semua ini, kurasa.