Browsed by
Tag: konsep seni

Ordonansi Miami yang Diusulkan Bisa Membingungkan Pengembang Dari Membeli Seni Umum,

Ordonansi Miami yang Diusulkan Bisa Membingungkan Pengembang Dari Membeli Seni Umum,

Di permukaan, tampaknya seperti langkah cerdas : membuat pengembang kaya menutupi biaya seni publik. Tapi menggaruk vinir itu, kata para lawan, dan fase baru dari rencana Art in Public Places di City of the Best adalah perkosaan dari pita merah yang tidak perlu – dan yang terburuk adalah sarana bagi kota untuk merebut dana dari tangan seniman lokal.

“Kota ini menambahkan banyak rintangan pada sesuatu yang mereka pikir akan menciptakan lebih banyak bisnis,” kata Books Bischof, salah satu pendiri Proyek Utama galeri lokal.

Perencana Kota Efren Nunez, yang menulis peraturan tersebut, mengatakan bahwa Tahap I undang-undang ini dibuat sebagai tanggapan terhadap Departemen Kebudayaan Negeri Miami, yang akan menunda pendanaan ke kota karena kota tersebut tidak memenuhi persyaratan untuk seni publik. . Komisioner kota menyetujui fase itu dengan sedikit perlawanan.

Namun bethings, tahap kedua ordonansi telah menarik perhatian para seniman lokal terkemuka. Tahap II – yang akan dipilih oleh dewan komisaris kota kemungkinan bulan depan, menurut Nunez – akan meminta pengembang untuk menampilkan barang seni publik senilai 5 persen menjadi 1,25 persen dari biaya konstruksi mereka, tergantung pada total biaya proyek, atau membayar antara , 25 persen dan 1 persen dari biaya konstruksi mereka ke dalam dana Art in Public Places di kota ini.
Nunez mengatakan bahwa rencana tersebut tidak akan membebani pembayar pajak apapun dan dapat mengumpulkan sebanyak $ 8 juta untuk menyuntikkan seni visual ke ruang publik Miami. Banyak pemerintah daerah lainnya di Florida Selatan, termasuk Miami Beach dan Miami-Dade County, memiliki program serupa. Nunez mengatakan bahwa ia menarik bahasa dari tata cara seni publik lainnya, baik lokal maupun dari kota-kota dengan volume konstruksi yang sebanding seperti Los Angeles.

“Seni publik adalah cerminan identitas kota dan tempatnya pada waktunya, seni publik mengilhami dan mengaktifkan imajinasi setiap orang, mendorong orang untuk berpikir dan memperhatikan,” kata Nunez. Melalui perundang-undangan ini, ia meyakini, semakin banyak seni yang akan tercipta dan dibawa ke kota.

Tetapi beberapa seniman lokal terkemuka mengatakan bahwa proposal Miami akan memberi kota ini kontrol yang lebih besar daripada kebanyakan kotamadya lainnya. Aturannya akan memberi para pengembang ultimatum: membeli seni untuk lahan pribadi mereka atau membayar biaya ke kota. Pengembang juga harus mendapatkan pilihan karya seni yang disetujui oleh dewan kota beranggota sembilan orang, yang saat ini termasuk pengembang Dacra Craig Robins dan perwakilan dari Museum Seni Pérez Miami, dan menggunakan penilai profesional untuk membuktikan nilainya.

Bischof prihatin dengan kekuatan dewan harus memutuskan seni publik. “Apa yang mempengaruhi dewan ini? Bukankah itu akan menciptakan kronisme? Dunia seni sudah dijalankan oleh elite,” kata Bischof. “Ini tidak akan menguntungkan masyarakat seni setempat kecuali jika ada program berbasis insentif.”

“Ini adalah lereng licin bagi pemerintah untuk menentukan seni apa.”

Saat ini banyak pengembang bekerja dengan galeri lokal untuk menempatkan karya-karya seniman up-and-coming dalam proyek mereka. Berdasarkan peraturan baru, pengembang harus bekerja sama dengan dewan kota atau memilih keluar dengan membayar biaya. Uang itu akan masuk ke dalam dana yang juga dikendalikan oleh dewan kota. Para penentang mengatakan bahwa peraturan tersebut pada intinya mengubah kota menjadi perantara perantara, memberi insentif kepada pengembang untuk memberikan uang tunai ke kota dan menghukum mereka yang memilih seni mereka sendiri dengan memaksakan sekelompok birokrasi. Either way, kritikus berpendapat, seniman lokal, desainer, dan gallerists yang mungkin memiliki kesempatan untuk bekerja secara langsung dengan pengembang untuk menjual karya mereka akan kehilangan.

“Pengembang apa yang ingin kota itu memilih seni atas nama mereka?” Kata Nina Johnson “Ini lebih murah untuk membayar 1 persen untuk mendapatkannya dari belakang mereka. Ini akan sangat merugikan sumber penghasilan besar bagi kita semua.”

Penilai yang dibutuhkan juga bisa melukai seniman lokal, kata lawan. Seniman lokal dan mancanegara tidak mungkin dinilai cukup tinggi untuk memenuhi tolok ukur kota, yang dapat menyebabkan pengembang memilih karya seniman yang lebih mapan. Itu membuat rencana “tentang dolar dan bukan seni,” kata Adam Gersten, pemilik bar Gramps di Wynwood. Dia juga berada di City of Miami Planning, Zonation and Appeals Board dan Wynwood Business Improvement District (BID), yang bertemu dengan Nunez untuk membahas undang-undang ini.

“Ini benar-benar tentang memasukkan uang ke dana yang akan dikelola oleh dewan yang tidak memiliki rekam jejak,” kata Gersten. “Lebih dari itu, ada banyak contoh yang diberikan oleh dewan kami dimana sistem dapat digemari dan tidak akan bermanfaat bagi komunitas atau seniman kami di komunitas kami.”

Nunez mengatakan bahwa kota tersebut akan menggunakan penilai independen. “Bank-bank seni memberi tahu kita apa pekerjaan di trading … Ini seperti Buku Biru untuk Seni,” tegasnya. “Tidak ada dalam undang-undang yang melarang karya seniman lokal agar tidak diintegrasikan ke dalam lokasi pembangunan.”

Gallerists seperti Bischof and Johnson, dari seni galeri Haiti Little yang tidak dikenal, keduanya sudah memiliki hubungan dengan pengembang untuk memberikan karya seni, dan ingin kehilangan bisnis itu. “Iblis ada dalam rinciannya,” kata Johnson. “Mereka mencoba untuk memungut pajak ini untuk merampok galeri lokal, setiap orang mulai bercakap-cakap ke galeri midcareer, dari klien baru. Condos dan hotel membeli seni adalah cara yang sangat besar untuk menghasilkan uang di sini.”
Bahkan bisa dibilang seni publik Miami yang paling terkenal  seni mural Wynwood secara teknis tidak sesuai dengan standar kota untuk program ini, Johnson mengatakan. Graffiti tidak akan dianggap memiliki nilai sesuai dengan peraturan yang semula diusulkan, yang mendorong beberapa pushback dan percakapan enam bulan dengan Wynwood BID. Nunez mengatakan bahwa sebagai hasilnya, kota tersebut “memberi Wynwood kemampuan untuk menyetujui pedoman, persyaratan, dan papan tinjauan mereka sendiri untuk mendapatkan persetujuan seni publik.”
Tapi wakil ketua BID Wynwood, Albert Garcia, mengatakan bahwa membebaskan lingkungannya tidak memecahkan masalah yang mendasarinya. “Cara pembuatan undang-undang ini disusun hari ini, sebagian besar seni di Wynwood tidak akan memenuhi syarat sebagai seni. Jadi undang-undang ini akan menghilangkan kemungkinan bahwa Wynwood baru akan diciptakan, dan itu tidak akan membiarkan Wynwood terus menjadi Wynwood.”

Garcia mengatakan bahwa masyarakat tahu apa yang dibutuhkannya dalam hal pengembangan seni budaya. “Kemajuan artistik di Wynwood adalah sebuah kolaborasi antara komunitas artistik dan sektor swasta, dan ini adalah akar rumput, proses organik.Wynwood BID tidak memiliki pendapat tentang seni apa Kami percaya seni adalah ungkapan [dan] pemerintah harus tetap berada di luar sana. Kami ingin memberi insentif, untuk melindungi seni, dan mendorong pengembang untuk melakukan sesuai keinginan mereka.


Garcia khawatir bahwa dewan seni publik yang diusulkan akan menjadi satu-satunya pemasok seni publik di kota ini. Menurutnya, tempat yang paling banyak menderita adalah komunitas seperti Little Haiti dan Little Havana. “Penting bagi semua komunitas di Miami, pusat berbasis warisan budaya, untuk benar-benar memperhatikan undang-undang ini, karena mereka berisiko diresmikan seni yang sebenarnya tidak mencerminkan sejarah mereka. Mereka akan kehilangan warisan mereka untuk Sebuah pendekatan yang homogen.
Tapi seniman lokal bisa menderita lebih banyak, lanjutnya. “Mereka paling banyak kehilangan jika mereka tidak diakui sebagai seniman yang sah yang karyanya tidak sesuai dengan standar kota. Itu adalah lereng licin bagi pemerintah untuk menentukan seni apa.”

Komisioner kota akan memberikan suara di atasnya pada akhir musim panas atau awal musim gugur, kemungkinan 7 September.

Apa itu Plein Air Painting?

Apa itu Plein Air Painting?

Bethings – Lukisan udara Plein adalah tentang meninggalkan keempat dinding studio Anda dan mengalami melukis dan menggambar di bentang alam. Praktik itu berlangsung berabad-abad namun benar-benar dibuat menjadi bentuk seni oleh Impresionis Prancis. Keinginan mereka untuk melukis cahaya dan perubahannya, kualitas singkatnya, ditambah dengan penciptaan tabung cat yang dapat diangkut dan kotak kuda-pendahulu ke tempat pensil udara pleina saat ini – memungkinkan seniman kebebasan untuk melukis “en plein air,” yang merupakan Ekspresi Prancis untuk “di udara terbuka.”

Sketsa memungkinkan pelukis untuk memperbaiki keseluruhan desain sebuah lukisan dan dengan cepat menangkap catatan warna di bentang alam. Pelukis udara plein juga bisa menggunakan foto untuk membantu mendesain lukisan, meski biasanya mereka ikut bermain setelah artis tersebut meninggalkan situs lukisan outdoor untuk kenyamanan studio. Seorang seniman sering menggunakan foto untuk menangkap detail-seperti tekstur rumput atau bentuk tikungan sungai tertentu-namun kebanyakan pelukis menjauhi penggunaan foto untuk indikator warna dan nilai.

Saat ini, lukisan udara plein merupakan tren yang berkembang di dunia seni kita. Seniman berkumpul untuk kunjungan “cat out”, lokakarya yang ditujukan untuk latihan ini terjadi sepanjang tahun dan meluncur ke pantai, dan pelukis pemandangan menemukan bahwa lukisan udara plein sebagai pengalaman yang memuaskan dan hebat seperti pada pelukis udara plein pertama. Bertahun-tahun yang lalu.

Plein Air Painting Techniques: Painting Light

Bila Anda melukis dari pengamatan, baik di tempat atau di dalam rumah, Anda akan menemukan beberapa sumber cahaya yang berbeda, termasuk sinar matahari langsung, langit mendung, lampu jendela, cahaya lilin, dan lampu listrik. Jenis cahaya ini-dan yang lainnya juga-semuanya memiliki kualitas khas yang harus Anda pahami untuk melukisnya dengan meyakinkan.

  • Cahaya matahari langsungPada hari yang cerah dan cerah, tiga sistem iluminasi yang berbeda sedang bekerja: matahari, langit biru, dan cahaya yang dipantulkan dari benda yang diterangi. Dari ketiga sumber cahaya ini, dua yang terakhir berasal seluruhnya dari matahari, dan karenanya harus berada di bawahnya.
  • Cahaya TerangLapisan awan mendifusi sinar matahari, menghilangkan perbedaan ekstrem cahaya dan bayangan. Salah satu kebajikan cahaya yang mendung adalah memungkinkan Anda melukis bentuk dengan warna aslinya tanpa kontras terang dan teduh.
  • Lampu jalan & kondisi malamPemandangan malam modern mencakup lampu pijar, neon, neon, merkuri, sodium, busur, logam-halida, dan lampu LED – dan tentu saja sinar bulan. Masing-masing memiliki distribusi daya spektral yang khas.

Berikut adalah beberapa tip jika Anda ingin belajar lebih banyak tentang pencahayaan malam hari:

  • Beragam warna pencahayaan outdoor paling banyak terlihat saat terbang di atas kota pada malam hari.
  • Mengambil foto dengan kamera digital pada setting malamnya. Kamera baru sangat bagus dalam menangkap efek pencahayaan tingkat rendah.
  • Cobalah beberapa lukisan malam kota, menggunakan lampu LED portabel untuk menerangi palet Anda.
  • James Gurney, dari Plein Air Painting, Spring 2011 dan diadaptasi dari buku James Gurney, Color & Light: Panduan untuk Pelukis Realis
  • Plein Air Essentials: Lukisan Air

    Air mungkin adalah salah satu subjek yang lebih menantang untuk melukis secara meyakinkan dalam lukisan pemandangan. Apakah seseorang terinspirasi oleh laut, sungai, kolam atau danau, setiap subjek memerlukan keakraban yang dipelajari dan seringkali penanganan cat yang berbeda.

Berikut adalah beberapa tips yang kami anggap bermanfaat saat melukis air:

  • Langit dan air umumnya memiliki warna yang sama, meski airnya akan menjadi lebih gelap nilainya. Buatlah cakrawala atau garis pantai yang kokoh dan blok mereka pada saat bersamaan untuk memastikan warna-warna itu saling berbagi.
  • Gelombang laut dalam gerakan konstan menghadirkan tantangan bagi pelukis udara plein karena Anda ingin menangkap gerakan dan efek cahaya yang terjadi dalam gelombang yang pecah. Gelombang berubah warna dan nilainya karena naik tinggi dan menipis sesaat sebelum pecah. Sampai gelombang mulai pecah, ia berbagi warna langit. Saat naik, ia menjadi jendela transparan ke dalam gelombang itu sendiri, dan begitu berubah menjadi kehijauan, dan bahkan bisa mengambil warna pasir sesaat saat ia pecah. Cara yang bagus untuk cepat menguasai gelombang melukis adalah dengan melukis hanya dengan pisau palet.
  • Masih air di danau, kolam, dan bahkan sungai yang tenang menghadirkan tantangan melukis refleksi, yang kerap dipenuhi dengan warna matahari terbit atau terbenam. Maxfield Parrish biasa membangun model landscape di cermin untuk mendapatkan pantulannya tepat di lukisan studio realistiknya. Dalam udara plein, bagaimanapun, kita harus menganalisis di tempat, dan membuat refleksi itu dengan cara yang jauh lebih longgar dan lebih gestasional. Kecuali pantulannya adalah subjek Anda, cobalah merendernya sebagai massa warna tonal yang besar, bukan banyak goresan individual. Ingatlah bahwa pantulan selalu lebih gelap dari pada objek itu sendiri.
  • Melukis di Luar Ruangan dengan Cepat dan Sengaja

    Lukisan luar menantang karena lampu buronan dan terus berubah kondisi lingkungan atmosfer. Meskipun lukisan udara plein dihargai karena spontanitas dan kesegarannya, salah satu cara terbaik untuk mempelajari seni plein air adalah diatur dan disengaja.

    Untuk memastikan Anda membuat sebagian besar waktu Anda melukis di luar rumah, mulailah dengan sebuah rencana dan mendekati lukisan itu secara metodis sejak awal. Dalam kegembiraan untuk mulai melukis, banyak seniman melompat masuk dan mulai menutupi permukaan dengan warna sebelum komposisi ditarik dengan jelas dan sebelum mereka benar-benar menganalisis subjek, ruang yang akan digambarkan, dan warnanya dalam bentuk gambar yang abstrak.

    – Palette Anda: Mempertahankan palet yang terorganisir membantu Anda lebih cermat memikirkan apa yang Anda lukiskan. Cocokkan palet itu sendiri pada permukaan gambar. Saat kita mencampur cat pada palet yang erat menempel di permukaan, kita mengambil langkah kecil menuju akurasi warna.

    – Warna Premixing: Menggunakan pisau palet, campuran cat yang mencerminkan semua area penting dari komposisi yang diproyeksikan pada palet. Campuran harus disandingkan pada palet dalam hubungan, karena akan muncul di permukaan. Pisau palet memungkinkan campuran terbersih dan juga merupakan alat terbaik untuk menguji keakuratan warna. Campurkan warna yang seragam, ambil pisau yang terisi, dan letakkan dengan lengan terbuka di samping elemen di lanskap sebenarnya yang ingin Anda campurkan.

    – Meletakkan di Komposisi: Mulai dari jarak jauh (di bagian atas kanvas) dan bergerak maju secara bertahap (ke arah bawah), saya berbaring dengan warna seperti yang telah saya campur. Aturan umum saya adalah bekerja kembali ke depan, di dalam ke luar (misalnya, melukis lebih gelap di bagian pohon terlebih dahulu, lalu cahaya di daun), dan di bawah ke atas (seperti melukis bumi sebelum melukis rumput yang tumbuh di atas Atas itu). Dengan cara ini, lapisan cat mencerminkan hubungan spasial aktual di lanskap.

  • Plein Air Painting Techniques: Cara Melukis Awan

    Langit adalah apeks harfiah dan kiasan dari setiap lukisan pemandangan, dan di dalam hamparan langit ada kemungkinan banyaknya bentuk awan dan gaya, mulai dari yang memuncak dan berputar hingga berat dan rendah. Berikut adalah formasi awan yang paling sering ditemui di alam dan tip tentang bagaimana menggambarkannya saat Anda melukis di luar.

    Cumulus: Ini mungkin adalah awan yang paling sering terlihat, dan biasanya hadir pada hari yang cerah, cerah dan cerah. Mereka menyerupai massa besar wol bengkak dan melayang di langit di berbagai ketinggian, dengan sisi awan yang menghadap matahari biasanya sangat terang dan sisi yang lebih jauh dari matahari biasanya tampak gelap dengan tepi yang terang.

    Cirrus: Wispy dan tinggi di langit, awan ini sebenarnya terbuat dari kristal es yang terbentuk dari pembekuan tetesan air dingin dan biasanya hadir pada hari yang cerah. Atap Cirrus kadang-kadang disebut awan “bulu” atau “ekor kuda betina” dan mengarah ke arah pergerakan udara di ketinggian mereka, yang biasanya tingginya sekitar lima sampai enam mil.

    Stratus: Awan ini hampir dapat digambarkan sebagai selembar kabut berlapis yang menggantung rendah ke cakrawala pada hari abu-abu, biasanya selama musim dingin. Mereka sering berlapis dan terkadang memiliki pita horizontal bentuk yang mengindikasikan kemungkinan hujan. Seniman sering menemukan awan ini yang paling mudah dilukis untuk bentuk dan pola sederhana mereka.

    Nimbus: awan nimbus adalah awan hujan yang tebal teksturnya dan warnanya gelap sementara bentuk payungnya hampir seperti payung. Kegelapan mereka mencerminkan jumlah air yang mereka bawa, dan curah hujan itu bisa sampai ke bumi seperti hujan, salju, atau hujan es. Potongan kecil awan yang mengambang di tingkat yang lebih rendah sering disebut sebagai “scud.”

Tentang Seni – Apa Artinya Kami Benar-benar Berarti?

Tentang Seni – Apa Artinya Kami Benar-benar Berarti?

Mark Rothko, seorang seniman Amerika yang menggambarkan dirinya sebagai “pelukis abstrak”, pernah mengatakan tentang seni bahwa dia bukanlah tipe orang yang tertarik dengan hubungan bentuk, warna atau similars. Dia tidak mendefinisikan dirinya sebagai abstraksi, tapi lebih sebagai orang yang hanya tertarik untuk mengekspresikan emosi manusia dasar seperti malapetaka, tragedi, ekstasi dan sebagainya. Ini adalah visi seni seseorang, tapi apa yang kita maksud dengan seni hari ini? Mengapa mendefinisikan konsep begitu sulit? [Tautan diperiksa Februari / 10/2017],

Artikel ini adalah eksplorasi makna seni dan upaya untuk memahami hubungan antara seni dan seniman, dengan beberapa wawasan bermanfaat melalui wawancara dengan seniman tradisional dan digital.

  1. Tentang Seni – Apa Artinya?

    Pertanyaan ini sering muncul, dan dengan banyak jawaban. Banyak yang berpendapat bahwa seni tidak dapat didefinisikan. Kita bisa membahasnya dengan beberapa cara. Seni sering dianggap sebagai proses atau produk yang sengaja mengatur elemen dengan cara yang menarik bagi indera atau emosi. Ini mencakup beragam aktivitas manusia, kreasi dan cara berekspresi, termasuk musik, sastra, film, patung dan lukisan. Makna seni dieksplorasi dalam cabang filsafat yang dikenal sebagai estetika. Setidaknya, itulah yang klaim Wikipedia.
    Seni umumnya dipahami sebagai aktivitas atau produk apa pun yang dilakukan oleh orang-orang dengan tujuan komunikatif atau estetika – sesuatu yang mengekspresikan gagasan, emosi, atau pandangan dunia yang lebih umum.
    Ini adalah komponen budaya, yang mencerminkan substrat ekonomi dan sosial dalam desainnya. Ini mentransmisikan ide dan nilai yang melekat dalam setiap budaya melintasi ruang dan waktu. Perannya berubah seiring waktu, memperoleh lebih banyak komponen estetika di sini dan fungsi sosio-pendidikan di sana.Semua yang telah kita katakan sejauh ini memiliki unsur kebenaran namun terutama opini. Menurut Wikipedia, “Sejarawan seni dan filsuf seni telah lama memiliki perselisihan klasifikasi tentang seni mengenai apakah suatu bentuk budaya atau karya tertentu harus diklasifikasikan sebagai seni.”Definisi seni terbuka, subjektif, bisa diperdebatkan. Tidak ada kesepakatan di antara sejarawan dan seniman, karena itulah kita ditinggalkan dengan begitu banyak definisi seni. Konsep itu sendiri telah berubah selama berabad-abad.
    Gagasan seni terus berlanjut hingga sekarang ini menimbulkan kontroversi, begitu terbuka terhadap berbagai interpretasi. Hal ini dapat dianggap hanya aktivitas manusia, atau seperangkat aturan yang dibutuhkan untuk mengembangkan suatu kegiatan. Ini akan menggeneralisasi konsep di luar apa yang biasanya dipahami sebagai seni rupa, sekarang diperluas untuk mencakup bidang akademik. Kata itu juga banyak digunakan dalam bahasa sehari-hari, Pada artikel ini, kita maksudkan seni sebagai bentuk ekspresi manusia yang bersifat kreatif.

  2. Evolusi Konsep Link Seni

    Sementara definisi seni telah berubah selama bertahun-tahun, bidang sejarah seni telah berkembang untuk memungkinkan kita mengkategorikan perubahan seni dari waktu ke waktu dan untuk lebih memahami bagaimana bentuk seni dan dibentuk oleh dorongan seniman yang kreatif.
    Dengan memiliki pengetahuan sejarah seni yang solid, penting sekali. Saya berbicara dengan Alexander Daniloff dan Jonathan Ball tentang konsep seni melalui sejarah dan tentang apakah menelusuri sebuah garis melalui seni tradisional dan kontemporer adalah mungkin.

    Alexander Daniloff adalah seorang seniman Rusia yang tinggal dan bekerja di Italia. Fokusnya adalah melukis, meski ia pernah bekerja di beberapa media. Akhir-akhir ini, ia telah mengerjakan ilustrasi anak-anak. Ia telah berpartisipasi dalam berbagai acara dan lomba ilustrasi dan telah mengilustrasikan tiga buku. Dia telah mengadakan banyak pameran individu dan kelompok di Italia, Rusia, Belanda, Spanyol, Finlandia dan Amerika Serikat.
    Jonathan Ball adalah kreatif di balik Poked Studio, sebuah perusahaan inovatif yang berkomitmen untuk mengembangkan solusi visual yang kreatif. Itu tidak semua: antara layanannya, Poked Studio menawarkan ilustrasi Desain web, grafis dan blog; Rendering dan visualisasi  Grafis gerak Ilustrasi buku anak-anak Situs kilat Dan permainan.

    Pertanyaan: Bisakah kita melacak garis dari seni tradisional ke kontemporer?

    Alexander Daniloff: Saya tidak berpikir kita bisa mengatakan apapun tanpa jatuh ke dalam kontroversi, bahkan saya. Saya memiliki pandangan tradisional dan lebih memilih karya seni yang bisa berbicara untuk artis atau periode. Saya tidak bisa menjelaskan apa itu seni kontemporer, atau setidaknya apa arti dari itu. Ya, Anda bisa melacak garis dari seni tradisional ke kontemporer, tapi bukan yang lurus. Mungkin itu parabola yang naik dan turun, atau spiral. Kami tidak tahu. Yang bisa kita katakan adalah bahwa pasar seni telah berkembang, yang mempengaruhi seni itu sendiri. Dengan apa yang kita sebut seni kontemporer, kata-kata dan penjelasan selalu bernilai lebih.
    Seni visual telah diubah oleh artikel dan esai kritis; Sementara itu, karya itu sendiri telah menjadi bisu. Di teater, kurator dan kritikus telah menduduki barisan depan. Inilah pandangan saya tentang perbedaan antara seni kontemporer dan tradisional.
    Saya lebih menyukai seni yang diukur dalam dimensi manusia: seni yang berbisik dan tidak berteriak, seni yang menutupi saya dan membuat saya terbang dan tidak hancur. Tapi saya harus mengakui, beberapa hal modern menarik saya; Misalnya lukisan mural (graffiti) dan abstrak.

    Trips to real and mythological ages and changes in theatrical costumes and decor are a part of Alexander Daniloff‘s style. The style gives his paintings a special grace, showing both the festive and dramatic sides of life on stage. The style is also infused with a sweet irony that shakes up the painting. Precision, flexibility in design and subtle color harmony free up the artist’s movement between different artistic conventions, playing with light and shadow, line and color.

    Jonathan Ball: Ya, pasti (kita bisa menggambar garis dari seni tradisional ke kontemporer). Banyak teknik yang sama digunakan, hanya dengan cara yang sedikit berbeda dan dengan alat yang berbeda. Prinsip yang sama berlaku, namun Anda menciptakan seni.
    Saya melihat garis yang terutama berjalan melalui bentuk seni Jepang yang bergaya seperti Hokusai dan ilustrasi grafis bergaya kontemporer.

    Pertanyaan: Dibandingkan dengan evolusi seni tradisional, bagaimana Anda menggambarkan perkembangan seni digital (atau media baru)?

    Jonathan Ball: Seni digital telah berkembang dengan lebih cepat daripada teknik kerajinan tangan selama ribuan tahun. Seluruh generasi telah dibesarkan di “Photoshop” dan alat lainnya, sedangkan generasi sebelumnya menggunakan pena dan pensil.

    Namun, saya percaya bahwa seni digital masih dalam masa pertumbuhan. Terlepas dari apa yang tampaknya merupakan kemajuan besar dalam perangkat keras komputer, komputasi umum dan bahkan komputasi yang tersedia untuk kebanyakan studio desain tidak cukup cepat untuk mereproduksi seni dengan mudah pada skala dan tingkat detail yang mungkin dengan media tradisional. Pergi ke galeri nasional, dan Anda akan melihat karya dalam skala besar. Cobalah mereproduksi kanvas 10 kaki dengan resolusi karya seni lukis tangan dalam program 3-D, dan Anda akan menemukannya tidak dapat mengatasinya. Sebenarnya, sebagian besar program akan berusaha membuat gambaran rinci, katakanlah, 300 DPI hanya dengan ukuran A4.
    Sementara lukisan mungkin tampak bercak dan gumpalan, saat Anda mendekatinya, pola itu indah tersendiri, penuh warna, intensitas, kejenuhan dan tekstur. Pergilah mendekati seni digital atau layar TV dan Anda akan melihat kekacauan distorsi dan artefak.
    Begitu resolusi layar setara dengan media cetak, dan begitu teknologi komputer memungkinkan kita membuat karya dengan kecepatan tinggi yang sangat detail dengan kecepatan tinggi, maka digital akan berhasil dibawa ke media tradisional.
    Sebagian besar seni digital pada awal abad ke-21 dirancang untuk dilihat pada perangkat dengan resolusi rendah. Sebagian besar seni ini akan usang saat layar dan perangkat resolusi tinggi dikembangkan selama abad berikutnya. Dan banyak yang telah tersimpan hanya di hard drive akan hilang selamanya karena drive gagal dan situs web ditutup atau dibangun kembali.

    Saya merasa memalukan bahwa begitu banyak karya besar diproduksi ulang dengan resolusi dan skala terbatas dan tidak disimpan sedemikian rupa sehingga tetap aman untuk generasi mendatang.

    Pertanyaan: Beritahu kami tentang seni dan gerakan kesenian favorit Anda.

    Jonathan Ball: Sulit, karena saya suka begitu banyak gaya. Tapi saya menemukan bahwa jika saya berada di sebuah galeri seni, saya menyukai lukisan kontemporer karena banyak kejutan dan kurang dapat diprediksi daripada era sebelumnya.
    Saya menyukai ilustrasi kontemporer yang unik, terutama bentuk seni alis dan campuran mitos gothik.

  3. Estetika Dalam Seni Link Digital

     

    Pindah ke pertengahan abad ke-20, transformasi konseptual yang muncul dari pendekatan baru hingga seni menyebabkan krisis estetika, seperti yang terwujud dalam media seni baru.
    Sementara meminjam banyak konvensi media tradisional, seni digital dapat memanfaatkan estetika dari banyak bidang lainnya. Tapi berbagai kritik telah dibuat menentangnya: misalnya, mengingat beragam alat yang mereka miliki, seberapa banyak usaha yang harus dilakukan oleh seniman digital dalam pekerjaan mereka?
    Saya bertanya kepada Jan Willem Wennekes, yang juga dikenal sebagai Zeptonn, atas pendapatnya mengenai hal ini. Dia adalah seorang freelancer yang mengkhususkan diri dalam desain ilustrasi dan arahan seni, dengan fokus pada proyek ramah lingkungan dan lingkungan.
    Jan Willem Wennekes: Pertanyaannya agak sedikit ambigu. Di satu sisi, sepertinya ada pertanyaan tentang usaha yang dibutuhkan untuk membuat seni digital. Artinya, beberapa orang mungkin berpikir bahwa menggunakan media digital untuk menciptakan seni lebih mudah daripada menggunakan media tradisional.
    Fotografi pernah dipandang sebagai pesaing lukisan potret, namun pada akhirnya ia menjadi bentuk seninya sendiri, dengan banyak arahan dan bidang minat. Akibatnya, lukisan diuntungkan dari bangkitnya fotografi, dan masing-masing menambah minat lainnya dan menambah minat pada seni pada umumnya. Saat ini, kami tidak melihat fotografi sebagai pesaing untuk melukis; Kita melihat mereka sebagai media yang berbeda, dengan berbagai manfaat dan kekurangan. Saya pikir hal yang sama berlaku untuk bentuk seni digital yang lebih baru.

  4. Art As We Know It Today Link

    Abad ke-20 merupakan titik balik dalam konsepsi seni kita, yang terutama mengapa seniman kontemporer sering meraih konsep baru, berpisah dengan tradisi dan menolak gagasan klasik tentang kecantikan. Semua faktor ini telah melahirkan seni abstrak. Seniman tidak lagi mencoba untuk merefleksikan realitas, melainkan mencoba untuk memberikan ekspresi pada dunia batin dan perasaan mereka.
    Definisi seni lama telah menjadi usang. Saat ini, seni adalah sebuah konsep yang berkembang dan global, terbuka terhadap interpretasi baru, terlalu cair untuk disematkan.
    Saya mewawancarai Nate Williams dan Travis Lampe untuk mengeksplorasi elemen baru seni kontemporer dan untuk menjawab pertanyaan, elemen dan prinsip baru apa yang terbukti dalam seni masa kini.
    Nate Williams, juga dikenal sebagai Alexander Blue, adalah seniman, ilustrator dan perancang dari AS. Dia memiliki pengalaman yang luas dalam berbagai aspek industri ilustrasi, dan dia memiliki beragam klien. Ilustrasinya ditujukan untuk orang dewasa dan anak-anak. Dia juga pernah bekerja di dunia periklanan dan dalam penerbitan, musik, fashion, tekstil, dekorasi rumah, barang dagangan, poster, pers dan ekspresi sosial.
    Travis Lampe adalah ilustrator yang saat ini tinggal dan bekerja di Chicago. Ia bekerja sebagai art director dalam periklanan. Setelah dua tahun bertugas di Warsawa, dia kembali ke Chicago dan mencoba tangannya di bidang seni dan ilustrasi. Dia suka membuat seni dan mainan, dan dia telah menunjukkan di galeri-galeri bagus di seluruh AS dan di Eropa.
    Tidak diragukan lagi, saya terpengaruh oleh seni tradisional saya karena terpapar dengan gagasan yang saya temukan di Internet. Tempat yang bagus untuk menemukan kartun kuno.

Komunikasi lebih bagus untuk PR dan dengan cara itu sangat membantu seniman. Dan komunikasi yang lebih banyak harus menyamai lebih banyak gagasan yang terpantul, yang idealnya harus menghasilkan pemikiran konseptual yang lebih baik. Tapi sebagian besar “komunikasi” itu lancar. Dan saya pikir ada ambang batas di luar keterhubungan konstan tidak akan membantu. Seniman membutuhkan waktu yang tidak terputus karena gagasan kreatif menyatu. Seniman yang sukses adalah orang-orang yang disiplin dan mampu menyeimbangkan semua ini, kurasa.